andimena_sp_brasil

Arte Orgânica de Mariana Kuroyama

2011-05-22T13:59:00.000-07:00

É com imensa alegria que volto a escrever em meu blog depois de três meses afastada, escolho apresentar o trabalho de uma nova amiga, linda, sensível, feminina e que suspira, inspira e expira arte, entendendo que a arte está presente em todos os lugares através da “Vida que Cresce Silenciosa”, apresento a arte orgânica de Mariana Kuroyama.

Natural de Fortaleza e agora residente em São Paulo, Mari se apresenta com uma versatilidade incrível, jornalista de formação e artista por amor. Essa descoberta se deu ainda na infância com o gosto pelo desenho, ficando um pouco afastada desse universo, com o tempo descobriu que a arte estava em seu caminho de uma forma mais séria. “Queria ficar em casa, entre as árvores as flores e os pássaros, a vida! Ficava contemplando, lembro que várias vezes olhava para essa realidade ao meu redor e pedia internamente para trabalhar a serviço daquela beleza.” Em 2006 fez sua primeira exposição e em 2007 veio a decisão de se dedicar integralmente a arte.

Logo veio a vontade de produzir roupas, se inscreveu no concurso de novos talentos em moda do Projeto Palco (evento de moda alternativa de Fortaleza), venceu com a mini-coleção de dois vestidos em P&B entitulada Jardim Suspenso. Trabalhou um tempo com roupas sob encomenda e um de seus desfiles rendeu um documentário “Fulô de Kuroyama”.

Mari não ficou só nas roupas, com a ajuda do tatuador Dereka, o qual se tornou seu mestre, fez sua primeira tatto autoral. Pergunto como foi lidar com a mudança do suporte, a pele, ela comenta de um livro islâmico no qual diz que não importa a superfície na qual trabalham, sempre fazem arte com afinco e ao ler isso pensou que podia fazer seu desenho em qualquer superfície. Termina a entrevista dizendo que não gosta da tatuagem como um produto pronto. “É uma tendência atual das pessoas buscarem exclusividade, até mesmo por que a tatuagem é como um diálogo seu com o mundo, uma forma de se expressar. Fico feliz em saber que as pessoas confiam na minha criação, que na realidade acontece em parceria com o cliente, para traduzirem a vontade do que querem ter tatuado na pele.”

Não preciso nem dizer que termino essa entrevista morrendo de vontade as minhas próximas tatuagens sejam feitas por essa artista!!!

Inspirações de Kuroyama e seus artistas favoritos em suas palavras.

Minha inspiração: a natureza, nosso mundo. Suas cores e culturas, a alegria do povo, de um olhar, o movimento? A vida acontecendo é um negócio inspirador demais. Falando de artistas, gosto muito de Escher, Alex Grey, Michael Parkes, e o meu preferido, o Hundertwasser. Também admiro bastante as criações de Tinico Rosa, Jun Matsui e Brian Gomes (todos tatuadores). Tem outras pessoas também, a Patrícia Martins, uma amiga artista lá de Fortaleza que tem um trabalho realmente lindo, e tem muitos nomes daqui que não lembro agora, grafiteiros impressionantes que trabalham para o belo, para aquilo que faz suspirar o coração e nos tira um pouco do mecanicismo da cidade e seus sistemas. Gosto de ver suas cores e formas pelas ruas.

Para conhecer mais o trabalho de Kuroyama:

Flickr - http://www.flickr.com/kuroyamasun

Documentário Fulô de Kuroyama - http://www.alumbramento.com.br/filmes.php?p=curtas_medias/FULO_DE_KUROYAMA.html

Contato:

Email - mkuroyama@gmail.com

Organic Art Mariana Kuroyama

It is with great joy that I return to write in my blog after three months away, I choose to present the work of a new friend, beautiful, sensitive, feminine that sighs and breathes art, understanding that art is present everywhere through "Life Grows Quiet", present Kuroyama’s Organic Art.

A native of Fortaleza and now residing in Sao Paulo, Mari is presented with an incredible versatility, journalist by training and artist by love. This discovery was in its infancy with a taste for drawing, getting a little away from that universe, in time discovered that art was in its way a more serious way. "I wanted to stay at home among the trees flowers and birds, life! Was contemplating, I remember several times looking at the reality around me and asked to work internally in the service of that beauty." In 2006 it was her first exhibition and in 2007 came the decision to devote himself entirely to art.

Soon came the desire to produce clothes, she enrolled in the competition for new talent in fashion design from the Stage (alternative fashion event in Fortaleza), and won with two mini-collection of dresses in B & W titled Hanging Garden. She worked one time with custom clothes and one of her shows earned a documentary of Fulô Kuroyama.

Mari was not only in clothing, with the help of the artist Derek, who became her master, made her first tattoo with her draw. I ask her how it was dealing with the change of support, skin, and she says about a book on Islam which says that no matter what surface you work, always make art and hard to read that she thought she could do her design in any surface. She ends the interview saying don’t like the tattoo as a finished product. "It's a trend of people seeking exclusivity, even by the tattoo is like a dialogue with their world, a way of expressing yourself. Glad to know that people trust in my upbringing, which actually happens in partnership with the client, to translate the will of what they want to have tattooed on your skin."

Needless to say I finish this interview dying my next tattoos are made by that artist!

Kuroyama inspirations and her favorite artists in her words.
My inspiration: nature, our world. Their colors and cultures, the people's happiness, a look at the movement? Life is going on a business too inspiring. Speaking of artists, I love Escher, Alex Grey, Michael Parkes, and my favorite, the Hundertwasser. I also admire the creations of very Tinico Rosa, Jun Matsui and Brian Gomes (all tattoos artists). There's other people too, Patricia Martinez, an artist friend of Fortaleza that there is a really beautiful and has many names here that I do not remember now, graffiti artists who work for the stunning beauty, what makes you sigh for the heart and takes us a bit of mechanism the city and its systems. I like to see their colors and shapes through the streets.

To know more the art work of Kuroyama:
Flickr - http://www.flickr.com/kuroyamasun
Fulô of Kuroyama Documentary - http://www.alumbramento.com.br/filmes.php?p=curtas_medias/FULO_DE_KUROYAMA.html

Contact:
Email - mkuroyama@gmail.com

Auto-retrato | Sidney Amaral

2011-01-17T05:48:00.000-08:00

O trabalho artístico de Sidney Amaral mais conhecido são as esculturas de objetos recriados em bronze, mármore, resina e porcelana. Essas eu não tive o prazer de ver pessoalmente só através de fotografia. O que vi pessoalmente foi o auto-retrato acima de mais ou menos 3 x 1,5m e nem precisa dizer que me chamou muita atenção um homem sentado numa pilha enorme de livros com uma pedra enorme na cabeça. Essa imagem me fez reflitir sobre conhecimento + consciência. Quanto maior o conhecimento que adquirimos na vida maior a nossa consciência e como a conscência pode pesar porque a consciência nos faz ter clareza sobre as nossas responsabilidade perante a vida, mas será que deveríamos ver isso com um peso e não como o conhecimento sendo uma leveza que liberta? Me fez lembrar também de uma frase a qual não me recordo de onde ouvi, “os ignorantes é que são felizes”.

Para conhecer mais do trabalho de Sidney Amaral:
http://www.flickr.com/photos/sidney_amaral/

Self-portrait Sidney Amaral

The artwork of Sidney Amaral best known are the sculptures of objects recreated in bronze, marble, porcelain and resin. These I have not had the pleasure of seeing in person only through photography. What I saw in person was a self-portrait above about 3 x 1.5 m and needless to say what caught my attention a man sitting on a huge pile of books with a huge stone on his head. This image made me reflect upon knowledge + awareness. The greater the knowledge we gain in life the more our consciousness and can weigh as conscientious because conscience makes us be clear about our responsibility towards life, but should we see this with a weight and not being known as a lightweight which release? Also reminded me of a phrase which I can not remember where I heard, "the ignorant is that they are happy. "

To know more about the artwork of Sidney Amaral:
http://www.flickr.com/photos/sidney_amaral/

Arte com jeito de terra | Wagner Viana

2011-01-12T05:25:00.000-08:00

Conheci o trabalho de Wagner numa tarde no ateliê OÇO, ele tirou do portfólio encáusticas enormes feitas com pigmentos de terra.
Como um garimpeiro de pigmentos ele mapeou todo terreno de onde extrai as tonalidades de marrons, ocres, amarelos mostarda, vermelhos acobreados.
As imagens formadas lembram a topografia de um terreno, diria recortes abstratos de uma topografia.

Art with the land way - Wagner Viana

I knew Wagner’s art work an afternoon in the art studio OÇO, he took the portfolio huge encaustic made with earth pigments.
As a miner pigments he mapped ground from which extracts all the shades of brown, ocher, yellow mustard, coppery red. The images formed resemble the topography of land, say an abstract topography clippings.

Misto de abstração e figuração | Solange Ardila

2011-01-10T03:57:00.000-08:00

Fachadas de casas invadidas por manchas de cores: laranjas, rosas e verdes, é o primeiro contato que tenho com a arte de Solange. A figuração das casas invadida pelas manchas e abstração da cor me levam a contrapontos: sonho e realidade, memórias vividas em uma cidade sendo esquecidas tornando-a apenas fantasmas. Imagens que prendem e brincam com o meu olhar, meus olhos querem enxergar mais contrapontos.

Blog da artista:
http://solangeardila.wordpress.com/2010/02/18/obras/

Mixture of abstraction and figuration - Solange Ardila

Facades of houses invaded by patches of color: orange, pink and green, is the first contact I have with the artwork of Solange. The figuration of the houses raided by spots and abstraction of color lead me to counterpoints: dream and reality, memory lived in a city being forgotten making it the only ghosts. Images that hold and play with my eyes, my eyes want to see more counterpoints.

Artist Blog:
http://solangeardila.wordpress.com/2010/02/18/obras/

Retratos de Sambistas | Wagner Celestino e Nivaldo Carmo

2011-01-06T06:30:00.000-08:00

Dona Danga - Erundina de Souza Medeiros

Nenê da Vila Matilde - Alberto Alves da Silva

Dona Philomena - Philomena Conceição M. Nazaré

Nivaldo Carmo ao ver os retratos tirados pelo fotógrafo Wagner Celestino pede autorização do uso das fotos para dar continuidade em seus retratos de famosas personalidades negras. Ao ver retratos dos sambistas da velha guarda paulista na visão de um fotógrafo e de um pintor sinto muita dignidade e integridade nos olhares das pessoas retratadas.

No link a seguir segue uma entrevista com o fotógrafo Wagner Celestino.
http://felipeaprendiz.blogspot.com/2008/07/fotografia-de-wagner-celestino.html

Samba’s personalities Portraits - Wagner Celestino and Nivaldo Carmo

Nivaldo Caramel seeing the pictures taken by photographer Wagner Celestine asks permission to use photos to continue his portraits of famous black personalities. Seeing pictures of the old guard samba paulista in the vision of a photographer and a painter I feel great dignity and integrity in the eyes of the people portrayed.

The following link follows an interview with photographer Wagner Celestino.
http://felipeaprendiz.blogspot.com/2008/07/fotografia-de-wagner-celestino.html

Objetos do Cotidiano – Janaina Barros

2011-01-04T08:38:00.000-08:00

Dizem que a cozinha é a alma de uma casa, onde todas as refeições são feitas, de onde saem aqueles deliciosos aromas que mexem com nossos sentidos. Janaina ao repaginar objetos do cotidiano de uma cozinha mostra que de uma cozinha pode sair muita poesia.

O que você diria se visse a frase “Sou Todo Seu”, bordada em luvas de forno, “Toca-me” em aventais com paetês e um bordado com mãos em cima de uma galinha?

Sou levada à memórias interioranas infantis, memórias da cozinha de casa de avó, onde um bolo ou um pão quentinhos acabam de ser tirados do forno e aquele cheiro de café passando no coador de meia, me sinto super confortável e acolhida, de uma cozinha pode sair muita arte.

Everyday objects - Janaina Barros

Someone say the kitchen is the house’s soul, where all meals are made, from where those delicious aromas that stir our senses. Janaina repaginate to kitchen’s everyday objects and shows us that a kitchen may leave a lot of poetry.

What would you say if saw the phrase "I'm All Yours, " embroidered in oven gloves, "Touch Me" aprons with sequins and embroidered with one hand on top of a chicken?

I am taken to the countryside infant memories, memories of the kitchen of grandmother's house, where a cake or a warm bread just been taken out of the oven and smell the coffee percolator going in half, I feel super comfortable and welcoming, a kitchen may leave a lot of art.

Mostra SOUL Ateliê OÇO

2010-12-28T11:05:00.000-08:00

Claudinei Roberto

Janaina Barros

Marcos Felinto

Nivaldo Carmo

Renato Felix

Sidney Amaral

Solange Ardila

Wagner Celestino

Wagner Viana

Entro no ateliê OÇO no aparelho de som Caetano Veloso canta a “Oração ao Tempo”, com estes versos “Compositor de destinos, Tambor de todos os ritmos, Tempo tempo tempo tempo, Entro num acordo contigo, Tempo tempo tempo tempo...” é assim que vejo a exposição SOUL que aconteceu em dezembro no espaço.

Sou transportada por visões de já conceituados e novos artistas negros, escultura de Claudinei Roberto, objetos do cotidiano de Janaína Barros, encáusticas com pigmentos de terra de Wagner Viana, belas pinturas de Nivaldo Carmo, Sidney Amaral e Solange Ardila, os belos retratos de sambistas de Wagner Celestino, as fotos PB de Marcos Felinto e os quadros brancos concretos de Renato Felix.

Não quero dizer muito sobre, vejam as imagens e se possível coloque a música “Oração ao Tempo” de Caetano Veloso ao ver as imagens para sentirem o que eu senti.

Art Show SOUL in Art Studio OÇO

I go into the art studio OÇO in the stereo Caetano Veloso sings "Oração ao Tempo" with these lines "Composer of destinations, all the drum rhythms, Time time time time I enter an agreement with you, Time time time time ... " that's how I see the SOUL exhibition in art studio space in december month.

I am transported by visions of new and already renowned black artists, Roberto Claudinei sculpture, daily objects by Jana Barros, encaustic with earth pigments by Wagner Viana, beautiful paintings by Nivaldo Carmo, Sidney and Solange Amaral Ardila, the beautiful samba portraits by Wagner Celestino, black and white photos by Marcos Felinto and white concrete by Renato Felix.

I do not say so much about, look at the pictures and if is possible put the Caetano Veloso’s song "Oração ao Tempo" to see the images and feel what I felt.

Vazios cheios de informação | Paula Ordonhes

2010-12-08T09:49:00.000-08:00

Desenhos com vazios preenchidos por frases questionadoras transmitem muita informação e me fazem pensar sobre as relações sociais e de consumo, onde pessoas julgam fatos, pessoas e ações por falsos rótulos e não enxergam o que de fato está dentro desses rótulos. Esse é primeiro contato que tive com o trabalho de Paula. Deixo vocês com as imagens de seus trabalhos.

Vale à pena conhecer mais os trabalhos de Paula Ordonhes, acesse o link:
http://www.flickr.com/photos/paula_ordonhes/

Empties with a lot of information Paula Ordonhes

Drawings filled by empty phrases with inquisitive contain a lot of information and make me think about social and consumption relations, where people judge events, people and actions by false labels and do not see what is actually inside these labels. This is the first contact that I had with the Paula’s artwork. I leave you with images of her artwork.

Being worthwhile to know better the Paula Ordonhes’s artwork, visit the link:
http://www.flickr.com/photos/paula_ordonhes/

Poesia Visual | Daniele Gomes de Oliveira

2010-12-07T08:24:00.000-08:00

Algumas palavras chamam meu olhar: Tenaz, Vigor, Pessoas Pensam, Pessoas Sentem, Risco, Não há Garantias, Vitória. Ao olhar essas palavras dentro do trabalho de Daniele algo acontece com meu interior. Mensagens rápidas e diretas chegam a minha pessoa com impacto imediato, efeitos da Poesia Visual.

O que interessou Daniele nesse tipo de produção foi a fusão de códigos: palavra-imagem-som-movimento, em seus trabalhos há sempre a presença do código verbal. Sendo tema de sua dissertação de Mestrado no Instituto de Artes da UNESP.

Em um de seus trabalhos expostos na Art Collection, aparecem Ezra Pound, James Joyce, Duchamp e Beuys, mestres artistas que influenciam seu trabalho. Ezra Pound escreveu um longo poema, Os Cantos, com o procedimento de colagem e criador da frase: OS ARTISTAS SÃO ANTENAS DA RAÇA. James Joyce com sua prosa poética em Finnegans Wake escrita que estimula a artista. Duchamp com seu trabalho conceitual a influenciou por um tempo, se apropriou de alguns trabalhos de Duchamp e os ressignificou, o apreço por trocadilhos e os títulos de Duchamp chamam a atenção da artista por aproximá-lo da literatura mais experimental. Beuys é reverenciado em um trabalho também exposto na Art Collection, um tabuleiro de xadrez com a frase, O SILÊNCIO DE MARCEL DUCHAMP FOI NECESSÁRIO, em alemão; questionamento de uma ação de Beyus, que havia dito que o silêncio de Duchamp era superestimado, época em que o mesmo construía seu último trabalho, o Etant donnés.

Todos esses artistas a influenciam por serem artistas inventores, inventaram um método novo, sendo talvez Duchamp o maior deles. A vida desses artistas também a impactuam, Pound ficou preso em uma jaula de gorilas, Joyce levou mais de uma década escrevendo o Finnegans Wake, Duchamp um anônimo na França e pai da Arte Conteporânea.

Algumas de suas leituras favoritas

Augusto de Campos – Viva Vaia, Desposia e Não
Haroldo Campos – Galáxias
Décio Pignatari – Poesia Pois é Poesia, Bili com Limão Verde na Mão
Leonora de Barros, Arnaldo Antunes, Tadeu Jungle
Paulo Leminski – Catatau
James Joyce – Finnegans Wake
e.e.cummings, Mallarmé, Ezra Pound e Maiakóvski

Dani participa há várias edições de uma revista de poesia visual, Artéria, existente desde os anos 70. Para dar uma olhada clique em http://www.arteria8.net/

Daniele Contatos:
Celular: 55 11 9654 1626
Email: daniele.gomes.deoliveira@hotmail.com

Visual Poetry Daniele Gomes de Oliveira

Some words call my attention: Grapple, Vigor, People Think, People Feel, Risk, No Guarantees, Victory. When looking at those words within the work of Daniele something happens to my core. Messages arrive fast and direct my own person with immediate impact, effects of Visual Poetry.

What Daniele interested in this type of production was the merger of codes: word-image-sound-movement in their works there is always the presence of the verbal code. Being subject of his Master's thesis at the Art Institute of UNESP.

In one of her works exhibited at the Art Collection, appear Ezra Pound, James Joyce, Duchamp and Beuys, teachers, artists who influenced her work. Ezra Pound wrote a long poem, The Cantos, with the bonding procedure and creator of the phrase: ARTISTS ARE THE ANTENNAS OF THE RACE. James Joyce with his poetic prose written in Finnegans Wake that encourages the artist. Duchamp with his concept work influenced her for a while, she got hold of some Duchamp’s works and re-signified, appreciation for puns and Duchamp's titles call attention of the artist by bringing it more experimental literature. Beuys is revered in a work also exposed in the Art Collection, a chessboard with the phrase, MARCEL DUCHAMP’S SILENCE IS REQUIRED, in German; questioning an action Beyus who had said that the silence of Duchamp was overestimated, then on which he built his last work, Etant donnés.

All these artists influenced her ‘cause are inventors, have invented a new method, Duchamp is perhaps the largest one. The lives of these artists also impacted her, Pound was imprisoned in a cage of gorillas, Joyce took more than a decade of writing Finnegans Wake, Duchamp an anonymous in France and the father of Contemporary Art.

Some of her favorite reading

Augusto de Campos - Viva Vaia, Desposia e Não
Haroldo Campos - Galaxies
Pignatari - Poetry Poesia Pois é Poesia, Bili com Limão Verde na Mão
Leonora de Barros, Arnaldo Antunes, Tadeu Jungle
Paul Leminski - Catatau
James Joyce - Finnegans Wake
e.e.cummings, Mallarme, Ezra Pound and Mayakovsky

Dani has been involved several issues of a magazine of visual poetry, Artery, existing since the 70s. To take a look click http://www.arteria8.net/

Daniele Contacts:
Cellphone: 55 11 9654 1626
Email: daniele.gomes.deoliveira@hotmail.com

Obras de arte à venda

2010-12-06T07:41:00.000-08:00

Até o dia 11 de dezembro acontece a última semana do Art Colection, com vendas de obras de arte de 15 artistas brasileiros presentes no cenário artístico, em seus currículos diversas coletivas e individuais como o Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo, a Temporada de Projetos do Paço das Artes, tradicionais salões de arte contemporânea como a Bienal do Recôncavo Baiano e Bienal de Santos, Salões de Ribeirão Preto, Santo André e Piracicaba, coletivas regulares em ateliês como o 397, OÇO e outros espaços em destaque no cenário nacional.

Obras com valores de R$ 250,00 a R$ 2.500,00

Para aqueles que visitarem a exposição nessa última semana terão uma surpresa no ato da visita e uma promoção para aqueles que executarem uma ou mais compras!!!

Galeria Quarta Parede
Av. Conselheiro Rodruigues Alves, 722, Vila Mariana, São Paulo, SP, Brasil

Visitação
Segundas a Quintas e Sábados das 14h as 18h

Artworks for Sale

Until December 11 happens the last week of Art Colection, with artworks sales by 15 artists present in the Brazilian art scene in their curriculum various group and solo exhibitions such as the Centro Cultural São Paulo Program, the season of the Paço das Artes Projects, traditional contemporary art exhibitions like the Recôncavo Baiano Biennale and Santos Biennale, Art Salons of Ribeirao Preto, Santo André and Piracicaba, regular collectives in art studios like the 397, OCO and other places featured on the national scene.

Artworks with values R$ 250.00 to $ 2,500.00

For those who visit the exhibition this past week for a surprise visit and at the time of a promotion for those who run one or more purchases!

Quarta Parede Gallery
Av Rodruigues Councillor Alves, 722, Vila Mariana, São Paulo, Brazil

Visitation
Mondays to Thursdays and Saturdays from 14h to 18h

Mônica Nador | Arte-Cidadania

2010-11-23T10:31:00.000-08:00

Outro dia estava folheando uma revista de arquitetura e me deparei com uma matéria sobre a artista plástica Mônica Nador e seu trabalho de transformar as paredes de casas de periferias em arte. Fiquei curiosa sobre a sua trajetória, fui pesquisar e resolvi dividir.

Nador iniciou sua carreira nos anos 80 e em 1996 quando leu no curso de pós-graduação o texto O Fim da Pintura, do crítico norte-americano Douglas Crimp, decidiu que não usaria mais pincéis dentro do museu.
De sólida formação esuqerdista, gostaria que suas obras fizessem um percurso na sociedade, resolve transformar muros e paredes das periferias ou regiões bem pobres em seu ateliê a céu aberto. Saiu para pintar casas em Tihuana, no México, em assentamentos do MST, em uma favela em São José dos Campos e em algumas cidades do interior do nordeste. Levar a arte, embelezando lugares degradados e caóticos e aumentar a auto-estima dos moradores locais passa a ser a sua intensão.
Surge o projeto Paredes Pintadas no Jardim Miriam em diadema São Paulo, onde pinta as paredes das casas com os moradores, com o tempo sentiu necessidade de morar na periferia para que os moradores interagissem mais ao projeto, assim nasce o JAMAC, espaço cultural e artístico onde dá aulas de stencil a comunidade.

Assisti o documentário “Paredes Pintadas”, fiquei encantada como uma iniciativa artística pode modificar a vida das pessoas, vejo os moradores da comunidade felizes e orgulhosos de onde moram com outro ânimo para a vida, cantando aquela cantiga infantil. “Se essa rua, se essa rua fosse minha eu mandava, eu mandava ladrilhar com pedrinhas, com pedrinhas de brilhante para o meu amor passar. Eu mandava ladrilhar com pedrinhas cores e flores para o meu amor passar.”

Lindo trabalho, linda iniciativa, para quem quer assistir o documentário segue links em duas partes.

Paredes Pintadas Parte 1
http://www.youtube.com/watch?v=oZUcuUUL1gY

Paredes Pintadas Parte 2
http://www.youtube.com/watch?v=lANwA4GYiE8&feature=related

Página na web JAMAC
http://jamacdigital.wordpress.com/

Monica Nador Arts & Citizenship

The other day I was flipping through an architectural magazine and came across an article about the artist Monica Nador and his work to transform the walls of houses in the suburbs of art. I was curious about your career, I went searching and decided to split.
Nador began his career in the '80s and in 1996 when he read in graduate course text The End of Painting, American critic Douglas Crimp, decided it would not use more brushes inside the museum.
Esuqerdista of solid, like that his works did a tour in society, decides to become walls and walls of the suburbs or regions and poor in his studio in the open. He went out to paint houses in Tihuana, Mexico, in settlements of the MST, in a slum in Sao Jose dos Campos and in some cities in the northeast. Bring the art, embellishing degraded and chaotic places and raise self-esteem of local residents going to be his intention.
The project appears in the Garden Walls Painted Miriam diadem in Sao Paulo, where he painted the walls of the houses with the residents, the time felt the need to live in the suburbs for residents to interact more with the project, thus was born the Jamacia, cultural and artistic space where she teaches the stencil community.

I watched the documentary "Painted Walls", I was delighted as an artistic initiative can change people's lives, I see the community residents are happy and proud of where they live with another spirit to life, singing that song for children. "If this street, this street was mine if I ordered, I ordered tile with pebbles, small stones with a brilliant pass for my love. I ordered tile colors with pebbles and flowers for my baby go. "

Beautiful work, beautiful initiative for those who want to watch the documentary follows links in two parts.

Painted Walls Part 1
http://www.youtube.com/watch?v=oZUcuUUL1gY

Painted Walls Part 2
http://www.youtube.com/watch?v=lANwA4GYiE8&feature=related

Web page JAMAC
http://jamacdigital.wordpress.com/

Abertura Agora e Sempre | Primeiro Art CollectiON

2010-11-16T06:33:00.000-08:00

Inspirado nos mercados alternativos e independentes de arte como o norte-americano, o europeu e o asiático, em que é bastante difundida a aquisição de obras de artistas contemporâneos, o Projeto Art-CollectiON busca estimular a expansão desse mercado em São Paulo oferecendo trabalhos a preços acessíveis e convidativos para um novo perfil de consumidores de arte.

Pensando nisso A Galeria Quarta Parede inaugura no dia 19 de novembro de 2010 a exposição "Agora e Sempre" com curadoria de Claudio Matsuno e organização de Alexis Iglesias, artista e diretor da galeria. A exposição abriga trabalhos de 16 jovens artistas em evidência no mercado nacional e internacional.

Diferente dos produtos de consumo, as obras de arte tem valorização no circuito comercial e artístico. São obras realizadas por artistas que tem uma produção constante e de forma significativa e que em breve terão seus trabalhos valorizados no mercado das artes.

Obras com valores entre: R$ 300,00 à R$ 3.000,00

Inauguração: "Agora e Sempre"
Cocktail de abertura no dia 19/11 às 20h
Visitação de 22 de Novembro a 11 de Dezembro.
de 2ª a 5ª das 14 às 18h e Sábado das 14 às 18h
Local: Galeria Quarta Parede
Av. Conselheiro Rodrigues Alves, 722
Vila Mariana, São Paulo, Brasil

Artistas participantes
Alexis Iglesias
Bruno Sipavicius
Claudio Matsuno
Daniele Gomes de Oliveira
Eduardo Sancinetti
Junior Suci
Khaori Wakamatsu
Leopoldo Ponce
Lourdes Sakotani
Luciano Zanette
Nilson Sato
Paula Ordonhes
Paulo Kurazumi
Reynaldo Candia
Tati Andimena

http://www.galeriaquartaparede.com/
informações e vendas:
info@galeriaquartaparede.com

Opening Now and Ever | First Art CollectiON

Inspired by the alternative markets and independent art as the North American, European and Asian, which is widespread in the acquisition of works by contemporary artists, the Art-Collection Project seeks to stimulate the expansion of this market in Sao Paulo offering work at prices accessible and inviting to a new profile of consumers of art.

Thinking about The Fourth Wall Gallery opens on November 19, 2010 ... the exhibition "Now and Ever" curated by Claudio Matsuno and organization of Alexis Iglesias, artist and gallery director. The exhibition houses works by 16 young artists in evidence at the national and international markets.

Unlike consumer products, art works has value in the supply chain and artistic. Are works by artists who have a steady production and significantly and soon will have their work valued in the art market.

Works with values between: $ 300.00 to $ 3,000.00

Opening: "Now and Ever"
Opening Cocktail on 19/11 at 20h
Visitation from 22 November to 11 December.
from 2nd to 5th of 14 at 18 pm and Saturday from 14 to 18h
Location: Fourth Wall Gallery
Av Conselheiro Rodrigues Alves, 722
Vila Mariana, São Paulo, Brazil

Participating artists
Alexis Iglesias
Bruno Sipavicius
Claudio Matsuno
Daniele Gomes de Oliveira
Eduardo Sancinetti
Junior Suci
Khaori Wakamatsu
Leopoldo Ponce
Lourdes Sakotani
Luciano Zanette
Nilson Sato
Paula Ordonhes
Paulo Kurazumi
Reynaldo Candia
Tati Andimena

http://www.galeriaquartaparede.com/
information and sales:
info@galeriaquartaparede.com

Abertura exposição SOUL

2010-11-16T06:27:00.000-08:00

Nessa quinta-feira, dia 18 de novembro 19h30, abre a mostra SOUL no ateliê OÇO, com os artistas, Claudinei Roberto, Janaina Barros, Marcos Felinto, Nivaldo Carmo, Renato Felix, Sidney Amaral, Solange Ardila, Wagner Celestino e Wagner Viana.

Local: Ateliê OÇO
Endereço: Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade, próximo ao metrô Liberdade
Visitação: quartas 20h às 22h, sábados 14h às 18h
Encerramento: 19 de dezembro de 2010
Site: www.atelieoco.com.br

Opening exhibition SOUL

On Thursday, November 18, 19.30, opens the show SOUL in the art studio OÇO, with artists, Claudinei Robert, Jana Barros, Marcos Felinto, Nivaldo Carmo, Renato Felix, Sidney Amaral, Solange Ardila, Wagner Viana Wagner and Celestino.

Location: Art Studio OCO, Sao Paulo, Brazil
Address: Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade, close to subway Liberdade
Visitation: Wednesdays 20h to 22h, Saturdays 14pm to 18pm
Closing Date: December 19, 2010
Site: www.atelieoco.com.br

Arte em Palavras | Manoel de Barros

2010-11-03T08:09:00.001-07:00

Cúmplice do Silêncio | João Luengo

2010-10-25T12:53:00.000-07:00

Minha mente pára ao observar as ranhuras, sombras e luzes das gravuras do João, vistas de uma São Paulo com um rio que a corta. O que chama a minha atenção nas gravuras não é a cidade mas sim o rio retratado em muitas delas.

Chego mais perto delas com um olhar curioso a examinar seus detalhes e percebo frases quase apagadas nas margens do papel.

Essas águas percorreram o mundo para chegarem aos nossos olhos, mesmo assim não repousam.
Não há fim para o rio, não começa com o primeiro suspiro, nem acaba na última sombra.
Tears unlike, the river flows from you back to you.

Essas frases fazem a minha mente divagar, nossa essas gravuras são como poesia, será que o João também é poeta com as palavras? Não retrata a cidade, mas sim o rio que a corta com sua trajetória. O que será que João gosta de ler? Poesia? Quais serão seus poetas favoritos? Por que a escolha de um rio? O rio seria cúmplice do nosso silêncio ao contemplar suas águas?

Deixo vocês com as respostas do João em suas próprias palavras.

Sobre o rio,

Quando eu morava no Butantã e andava pela Cidade Universitária, eu queria desenhar o edifício Villa Lobos de vários pontos de vista. Acabei desenhando só três, desde a praça do relógio, ponte do Jaguaré e ponte cidade universitária. Passei então a desenhar em cima da ponte. De dia e de noite. Um colega me disse que a ponte fornecia uma das poucas visões da cidade em profundidade, sem estar barrada por um muro ou uma parede. O que me interessou inicialmente foi os blocos de cidade que o rio separa. Agora, depois de muito tempo com essa imagem na cabeça, é que as águas têm me chamado a atenção, acho que esse será meu próximo passo. Acredito que essas imagens sejam "(...)um poema de amor -balada- para um rio adormecido(...)" Para me orientar no meu arquivo, chamo algumas imagens de 'Sleeping' Jurubatuba(nome original do rio Pinheiros).

Sobre poemas e poesia,

Minha escrita é muito pouco imaginativa, mas gosto de poesia e ficção. Ler ficção e poesia é um momento onde a imaginação encontra liberdade e a leitura pode alimentar nossa vontade produtiva.
Acredito que sem ler ficção ficamos divagando sobre linguagem sem ter acesso ao essencial, mas é só uma crença de um rapaz que gosta de desenhar os movimentos da água...Acho que é a ficção que dá sentido à linguagem, não o contrário, posso estar muito enganado. É mais uma idiossincrasia do João. De poesia gosto do João Cabral de Melo Neto, Walt Whitman e Ana Cristina César. De ficção gosto de Adolfo Bioy Casares e Clarice Lispector, Arthur Clarke e Julio Verne, Joseph Conrad e Gustave Flaubert.

Sobre inspiração,

Acredito que tenho pouca inspiração, se posso contar com ela, vem de um tipo peculiar de trabalho, repetitivo e constante. Eu erro muito, por isso decidi fechar o tema das gravuras em torno dessa paisagem do rio pinheiros.
Acho ainda que acabei gostando da gravura por causa disso, cada imagem pede um envolvimento prolongado e nesse envolvimento, a repetição é muito importante. Com sorte, alguma luz pode surgir. Com alguma sorte a mais, posso aproveitar essa luz.

Sobre o título,

Tanto a cidade do João, como a do Edson, parece dizer a exposição, são cidades com pouco ou nenhum movimento. Ora é a água que aparece nas raspagens das gravuras do João, ora é a cor nas pinturas do Edson, que sugere músicas bastante suaves. Com o tempo essas melodias caminham em direção ao repouso, então o olho pode funcionar. No que diz respeito às gravuras, são essas leves variações que tendem ao repouso que interessam ao João.

Quem deu o título foi o Claudinei, foi ele quem percebeu a ligação entre cada imagem e soube explorá-las muito bem. Acho que o olhar do Claudinei enriqueceu tanto um artista quanto outro.
Acho que eu me beneficio da montagem dessa exposição para ver a cidade com olhos revigorados. Sou muito grato ao Claudinei.

31 de outubro encerramento exposição Cúmplice do Silêncio
Visitação: quartas – 20h às 22h, sábados – 14h às 18h
Local: Ateliê OÇO – Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade, São Paulo, Brasil
http://www.atelieoco.com.br/

Accomplice of Silence - João Luengo

My mind stops to observe the scratches, the shadows and lights of the João ‘s engraving, a view of Sao Paulo with a river that cuts it. What strikes me in the engravings is not the city but the river portrayed in many of them.

I get closer to them with a curious look to examine its details and realize sentences almost erased the shores of the paper.

These waters have traveled the world to come to our eyes, it did not lie.
There is no end to the river, does not begin with the first breath, not just in the last shadow.
Unlike Tears, the river flows from you back to you.

These phrases make up my mind wander, these pictures are like our poetry, it is that João is also a poet with words? It does not portray the city but the river that cuts with its trajectory. I wonder what João likes to read? Poetry? What are your favorite poets? Why the choice of a river? The river would be complicit in our silence to contemplate its waters?

I leave you with the answers of João in his own words.

On the river,

When I lived in Butantã and walked around the campus, I wanted to design the building Villa Lobos from various points of view. I ended up drawing only three from the square of the clock, bridge Jaguaré bridge and university town. I then proceeded to draw up the bridge. Day and night. A colleague told me that the bridge provided a few views of the city in depth, without being barred by a fence or a wall. What interested me was initially blocks which river separates the city. Now, after a long time with this picture in mind, is that the waters have my attention, I think this will be my next step. I believe these images "(...) be a love poem-ballad to a river-asleep (...)" To guide me in my file, call a few images of 'Sleeping' Jurubatuba (original name of the river).

About poems and poetry,

My writing is very unimaginative, but I like poetry and fiction. Read fiction and poetry is a moment where imagination is free and the reading can feed our desire productive.
I think we read fiction without wondering about language without having access to essentials, but is only a belief of a guy who likes to draw water movements ... I think it's the fiction that gives meaning to language, not vice versa, I could be completely wrong. It's an idiosyncrasy of João. Petry I like Joao Cabral de Melo Neto, Walt Whitman and Ana Cristina César. Fiction I like Adolfo Bioy Casares and Clarice Lispector, Arthur Clarke and Jules Verne, Joseph Conrad and Gustave Flaubert.

On inspiration

I believe I have a little inspiration, if I can count on it, comes from a peculiar type of work, repetitive and constant. I miss a lot, so I decided to close the theme of the engravings around this river landscape pines.
I think though I liked the picture because of this, each image calls for an involvement and this prolonged engagement, repetition is very important. With luck, some may arise. With any luck at all, I can take this light.

About the title,

Both the city of João, as to the Edson, the exhibition seems to say, are cities with little or no movement. Now is the water that appears in the scrapings of the engravings of João, is now the color on Edson's paintings, which suggests very smooth music. Over time these tunes go on toward home, then the eye can function. With regard to pictures, these are minor variations that tend to the home of interest to João.

Who gave the title was Claudinei, it was he who saw the connection between each image and knew explore them very well. I think the look of Claudinei enriched both an artist and another. I think the benefit of building this exhibition to see the city with fresh eyes. I am very grateful to Claudinei.

October 31 closing exhibition Accomplice of Silence
Visitation: Wednesdays - 20h to 22h, Saturdays - 14pm to 18pm
Location: Studio OCO - Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade, São Paulo, Brazil
http://www.atelieoco.com.br/

Cúmplice do Silêncio | Edson Souza

2010-10-25T11:05:00.000-07:00

Assim que chego ao ateliê OÇO para abertura da exposição me deparo com a imagem de um quadro azul de uma estação de trem através das frestas de uma janela que separa uma sala da outra, exclamo UAU que lindo isso!!! UAU foi o meu primeiro contato com a pintura de Edson Souza.

Passado o efeito UAU, transito com calma observando os quadros, fico encantada com sua forma de retratar a cidade, enquadramentos charmosos com suas cores, me levam a desejar estar dentro dessas pinturas com as pessoas mais queridas por mim.

A maior parte das paisagens retratadas está vazia de pessoa, mas cheias de harmonia, tranqüilidade e silêncio, me sinto calma e elevada, esses trabalhos me fazem pensar de novo sobre um assunto – todo o caos da cidade é reflexo do caos interno das pessoas. Nossa aí está um olhar de como uma cidade sem as pessoas pode ser perfeita!!!

31 de outubro encerramento exposição Cúmplice do Silêncio
Visitação: quartas – 20h às 22h, sábados – 14h às 18h
Local: Ateliê OÇO – Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade, São Paulo, Brasil
http://www.atelieoco.com.br/

Accomplice of Silence - Edson Souza

As soon as I get to the Art Studio OÇO for opening of the exhibition I sight a blue paint of a train station through the cracks of a window that separates one room from another, I exclaim WOW how it’s beautiful! WOW was my first contact with the Edson Souza's painting.

After the WOW effect, transit calmly watching the pictures, I am delighted with her portrayal of the city, framing charming with its colors, make me want to be inside these paintings with those most dear to me.

The most part of landscapes portrayed are empty of people but full of harmony, tranquility and silence, I feel calm and high, these works make me think again about a subject - the chaos of the city is a reflection of the internal chaos of the people. There is a look at how a city with no people can be perfect!

October 31 closing exhibition Accomplice of Silence
Visitation: Wednesdays - 20h to 22h, Saturdays - 14pm to 18pm
Location: Studio OCO - Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade, Sao Paulo, Brazil
http://www.atelieoco.com.br/

Exposição e Venda de Arte | Pequenos Formatos

2010-10-23T05:38:00.000-07:00

O espaço Laura Cunha em parceria com o Ateliê OÇO inaugurou no dia 14 de outubro de 2010 a mostra “Feito à Mão”, venda de arte contemporânea em pequenos formatos, gravura, pintura, monotipia e desenho, com o acervo periodicamente renovado.

Artistas presentes na mostra: Adriana Siqueira, Alexandre Andrade, André Yassuda, Claudinei Roberto, Edson Souza, Irene Nedavaska, João Luengo, Leila Nazareth, Marcos Felinto, Mariza Hirata, Solange Ardila, Wagner Viana.

Espaço Laura Cunha
Rua Capote Valente, 741, Pinheiros, São Paulo, Brasil

Visitação: terça a sexta das 11h às 20h e sábados das 11h às 16h

Art Exhibition and Sale - Small Formats

Laura Cunha Space in partnership at Art Studio OCO inaugurated on October 14, 2010 the show "Hand Made", sale of contemporary art in small sizes, engraving, painting, monotype and drawing with the acquis periodically renewed.

Artists present at the show: Adriana Siqueira, Alexandre Andrade, André Yassuda, Claudinei Roberto, Edson Souza, Irene Nedavaska John Luengo, Leila Nazareth, Mark Felinto, Mariza Hirata, Solange Ardila, Wagner Viana.

Laura Cunha Space
Capote Valente Street, 741, Pinheiros, São Paulo, Brazil

Visiting: tuesday to friday from 11h to 20h and saturdays from 11am to 16h

Experiência Artística em Cuba | Antônio Goper

2010-10-13T09:57:00.000-07:00

Antônio Goper em seu ateliê em São Paulo, foto Tati Andimena - Antônio Goper in his art studio Sao Paulo, photo by Tati Andimena

Taller Grafica de Havana, Cuba, foto Antônio Goper - Havana's Graphic Studio, Cuba, photo by Antonio Goper

Trabalho "Anônimos" de Goper na exposição Travesia na Casa Museo Simón Bolívar, foto Antônio Goper - Art work "Anônimos" by Goper in exihbition Travesia in the Casa Museo Simón Bolívar, photo by Antônio Goper

Série de desenhos "Anônimos", foto Tati Andimena - Draw serie "Anônimos", photo by Tati Andimena

Oficina "Anônimos" para adultos, foto Antônio Goper - Adult workshop "Anônimos", photo by Antônio Goper

Oficina "Anônimos" para crianças, foto Antônio Goper - Chield workshop "Anônimos", photo by Antônio Goper

No dia 04 de outubro passei uma tarde maravilhosa no ateliê de Antônio Carlos Goper, conversamos sobre sua experiência artística em Havana - Cuba em julho de 2010. Em atividade oficial, dezoito artistas brasileiros participam do programa Volumen Cuba, cinco deles fizeram residência no taller de gráfica, onze realizam a exposição “Travessia” e doze dão oficinas artísticas num Centro de Arte Contemporânea.

Taller Experimental de Gráfica – Residência Artística

Goper experimenta a litogravura, onde trabalha uma figura da série “Anônimos” em matrizes de azul, rosa e verde, palheta de cores já conhecida por mim em outros trabalhos do artista. Ao ter contato com artistas cubanos ficou impressionado como se organizam para o trabalho, falam o que pensam claramente, sem certos filtros e vernizes muitas vezes percebidos nas falas de alguns artistas em nosso país. Em Cuba o artista é visto e respeitado como um trabalhador com sua função na sociedade. Ao escutar isso fiquei pensando o quanto nosso país poderia aprender sobre respeito e consciência artística com o povo cubano.

Travesia – Casa Museo Simón Bolívar – Exposição Coletiva

Em trabalhos anteriores, série Paroar, Goper trabalhava com formas moldadas em argila onde pensava a questão dos espaços com suas presenças e ausências, série com pinturas, desenhos, xilogravuras e gravuras em metal. Leva para Cuba novas formas dessa vez intituladas de “Anônimos”, criadas por objetos embrulhados e amarrados com sacos plásticos pretos. Dessa vez a reflexão ao realizar os desenhos com bastão a óleo é outra, o que conseguimos enxergar por termos conhecimento e é revelado, o que não conseguimos enxergar por estar velado ou interditado, será que temos percepção ou permissão para enxergar aquilo que está oculto? O que pode estar oculto de nós e da sociedade? Disse que seu painel formado com os desenhos dos “Anônimos” foi bem aceito pelo público da exposição.

Taller Individual – Centro de Arte Contemporâneo Wifredo Lam – Oficina artística Antônio Goper

Como os objetos “Anônimos” foram percebidos pelas pessoas que participaram de suas oficinas? Como encararam a proposta artística? Perguntas curiosas que vinham em meus pensamentos.
Goper ministrou duas oficinas, uma para o público adulto e outra para crianças. Para o público adulto, Goper mostrou como realizava os “Anônimos”, pegou umas garrafas pets e as embrulhou, mas não os deixou desenhar esse “Anônimo”, pois não era “Anônimo” para eles, sabiam o que estava escondido, pegou o objeto da exposição e falou para eles desenharem, depois pediu que eles mesmos fizessem os seus “Anônimos” e trocassem entre si para desenharem. Percebeu que os adultos se espelhavam nas formas, espelhavam aquilo que talvez estivesse velado para eles, e duas pessoas chamaram sua atenção: um surdo e mudo desenhando instrumentos musicais e uma senhora maratonista encarando o desenho com o maior entusiasmo. Com as crianças a coisa foi diferente, fizeram desenhos por associação de coisas relacionadas ao cotidiano, garrafas, jarras, peixes, e todas sem exceção recortaram uma parte do desenho.

Termino a conversa perguntando como essa experiência artística iria influenciar seu trabalho e sua vida. Ele me responde não sabendo como vai influenciar seu trabalho artístico, mas serviu para ampliar ainda mais suas reflexões sobre aquilo que enxergamos por termos consciência e o que não enxergamos por não sabermos o que está escondido. Diz que ao andar pelas ruas de Havana, enxerga o quanto crianças são bem tratadas, a cultura valorizada, pessoas mais interiorizadas e inteiras, simples e verdadeiras. E se encanta pelas portas das casas, algumas fechadas, outras entreabertas, outras escancaradas, todas com seu ar de mistério. Quais mundos existem nessas portas, o que ficou “Anônimo” para Goper em Cuba?

Para conhecer mais:
http://antoniocgoper.blogspot.com/
http://desenhadorandarilho.blogspot.com/

Email: antoniogoper@uol.com.br

Artistic Experience in Cuba Antonio Goper

On 04 October I spent a wonderful afternoon in Antonio’s Carlos Goper art studio, talked about his artistic experience in Havana - Cuba in July 2010. In official activity, eighteen Brazilian artists participating in the program Volumen Cuba, five of them made residence in the graphics studio, eleven hold the exhibition "Travesia" and twelve give art workshops in the Contemporary Art Centre.

Grafica Studio Experimental – Artistic Residence

Goper experiences lithography, where he works a figure from the series "Anônimos" on arrays of blue, pink and green color palette is known to me in other works of the artist. To have contacts with Cuban artists was impressed how they organize themselves to work, speak their minds clearly, without certain filters and coatings are often perceived in the statements of some artists on our country. In Cuba, the artist is seen and respected as a worker with his role in society. On hearing this I wondered how our country could learn about respect and artistic consciousness with the Cuban people.

Travesia - Museo Casa Simón Bolívar - Collective Exhibition

In previous work, series Paroar, Goper worked with shapes molded in argil where he thought the issue of spaces with their presence and absence series of paintings, drawings, woodcuts and etchings. Leads to Cuba new forms of this time titled "Anônimos", forms created by objects wrapped and tied with black plastic bags. This time the reflection to make the oil stick drawings is another, what we see because we have knowledge and is revealed, what we can not see because it is hidden or forbidden, will have perception or do we have permission to see what is hidden? What can be hidden from us and the society? He said his panel made to the drawings of "Anônimos" was well accepted by the public exposure.

Taller Single - Center Wilfredo Lam Contemporary Art - Art Workshop Antônio Goper

How its objects "Anônimos" were perceived by people who participated in his workshops? How regarded the artistic proposal? Curious questions that came into my thoughts.
Goper conducted two workshops, one for adult audiences and another for children. For adult audiences Goper showed as he made "Anônimos", took a few plastic bottles and wrapped, but did not let them draw this "Anônimo" was not "Anônimos" for them, they knew what was hidden, he took the object of exposure and told them to draw, then asked what they themselves did their "Anônimos" and to exchange among themselves to draw. Realized that the adults are mirrored in the forms, mirrored what was perhaps hidden to them, and two people caught his attention: a deaf and dumb designing musical instruments and a marathon lady staring at the drawing with the greatest enthusiasm. With the children thing was different, made drawings for the association of things related to daily life, bottles, jars, fish, and all without exception asunder a part of the design.

I end the conversation by asking how this experience would influence his artistic work and his life. He replied not knowing how it will influence his artistic work, but it served to further expand his thoughts on what we see because we have consciousness and we can not see, not knowing what is hidden. He says that while walking the Havana’s streets, sees how children are well treated, the culture valued, people more internalized and simple and true. He delights with the doors of houses, some closed, others ajar, others wide open, all with one mysteries air. What worlds exist on those ports, which was "Anonymous" for Goper in Cuba?

To know more:
http://antoniocgoper.blogspot.com/
http://desenhadorandarilho.blogspot.com/

Email: antoniogoper@uol.com.br

Exposição Segredos | Siron Franco

2010-09-30T08:44:00.000-07:00

De 11 de setembro a 17 de outubro de 2010

Caixa Cultural São Paulo - Galeria Vitrine da Paulista
Conjunto Nacional - Av. Paulista, 2083, Térreo
9h às 21h de terça a sábado e das 10h às 21h, domingos e feriados
Telefone: 11 3321 4400

www.caixa.gov.br/caixacultural

Encontro com Artista Ateliê OÇO | Lígia Carvalho

2010-09-29T08:51:00.000-07:00

Um olhar casual ou uma sensibilidade sobre as sutilizas de um sistema. Diria a sincronicidade de acontecimentos que levaram uma artista a desenvolver um trabalho com questões relevantes e uma plasticidade única.
Lígia Carvalho confessa que ao tentar tirar fotos de obras em alguns museus percebeu que seus registros não ficavam bons e que seu equipamento não seria o mais apropriado para fazer isso, ao mesmo tempo ao tirar uma foto de um detalhe azul de uma obra de Anish Kapoor percebe a presença de um segurança falando em um rádio e indo em sua direção com ar de repreensão, assim a questão em suas fotos na exposição “Suportar a Cidade. A Cidade como Suporte.”, está levantada, retratar pessoas que aparentemente são invisíveis em locais públicos ou privados onde o que é para ser visto são obras com extremo valor cultural e monetário.
Lígia comenta que não gostaria de expor seu trabalho dentro de alguns dos centros retratados, pois não gostaria que o mesmo fosse entendido como uma mera picuinha, por isso a escolha de um espaço alternativo, onde questões relevantes pudessem ser percebidas. Questionamos valores culturais onde em nosso país, lugares de arte deveriam ser vistos como lugares para todos sem uma suposta repreensão em detrimento ao valor patrimonial existente nesses locais. Observamos também os belos recortes escolhidos onde salientam as linhas arquitetônicas integradas com a figura humana, onde ora se torna obra ora se torna apenas elemento integrante de um espaço.

Por Tati Andimena.

Lígia Carvalho: lilicarvalho@hotmail.com
Ateliê OÇO: http://www.atelieoco.com.br/

Meeting with Artist Art Studio OCO - Ligia Carvalho

A casual look or a sensitivity to the subtleties of a system. I would say to the synchronicity of events that led an artist to develop work with relevant issues and a unique plasticity.
Ligia Carvalho admits that when trying to take pictures of works in several museums realized that his records were not good and that its equipment would not be the most appropriate to do so at the same time to take a picture of a blue detail of a work by Anish Kapoor perceives the presence of a safety and speaking in a radio going in your direction with an air of reproach, as the issue in his pictures in the exhibition "Supporting the City. The City as support. ", Is lifted up, portraying people who are seemingly invisible in public or private places where what is to be seen are works with great cultural value and money.
Ligia comments that do not like to expose their work in some of the centers portrayed because I would not want it to be understood as a mere quibble, so the choice of an alternative space where issues relevant to be noticed. We question where cultural values in our country, places of art should be seen as places for everyone without a supposed rebuke over the equity value that exists in these locations. We also observed the fine clippings chosen which highlight the architectural lines integrate with the human figure, which now becomes only work sometimes becomes an integral element of a space.

By Tati Andimena.

Lígia Carvalho: lilicarvalho@hotmail.com
Art Studio OÇO: http://www.atelieoco.com.br/

Dois Explícitos – Claudio Matsuno

2010-09-27T11:25:00.000-07:00

“Claudio Matsuno excita e satura com sua instalação site-specific o órgão humano do olhar. Para construir, com pequenos detalhes, jogos imagéticos e verbais ampliando o “espectro” [da história da arte] coberto por sua obra. Matsuno trança uma teia que, cada vez mais, enrola o observador, que antes estava apartado daquele trabalho, para, a partir de agora, se verá entrelaçado em suas imagens, seus signos e suas narrativas quase oníricas criadas exatamente pela subjetivação do mundo.” Paulo Gallina - Crítico de Arte

A vida e a arte em atos, absorvida pela instalação de Cláudio, consumida por seus detalhes caóticos, um caos equilibrado e ordenado, entro num movimento onde percebo que o caos ordena e o equilíbrio se forma do caos, uma lei complexa, integração e segregação.

Visitação 25 de setembro a 30 de outubro
Segunda a Quinta e Sábados das 14h as 18h
Galeria Quarta Parede – Av. Conselheiro Rodrigues Alves, 722, Vila Mariana, São Paulo, SP

http://www.claudiomatsuno.blogspot.com/
http://www.galeriaquartaparede.com/

Two Explicit - Claudio Matsuno

"Claudio Matsuno excites and saturate it with their site-specific installation the human organ of sight. To build, with small details, imagery and verbal games expanding the "spectrum" [art history] covered by his work. Matsuno braid a web that, increasingly, wind the observer, who was previously apart of that work, so from now, will find himself entwined in their images, its signs and almost dreamlike narratives created just for the subjectivity of the world. " Paulo Gallina - Art Critic

The life and art in acts, absorbed by Claudio’s installation, consumed by its chaotic detail, a balanced and orderly chaos, in a movement where I go I notice that orders the chaos and equilibrium forms of chaos, a complex law, integration and segregation.

Visitation September 25 to October 30
Monday to Thursday and Saturdays from 14h to 18h
Quarta Parede Gallery - Av Conselheiro Rodrigues Alves, 722, Vila Mariana, São Paulo, SP

http://www.claudiomatsuno.blogspot.com/
http://www.galeriaquartaparede.com/

Dois Explícitos – Nilson Sato

2010-09-27T11:22:00.000-07:00

“Parece-me que ele está a conciliar a questão da pintura com a da fotografia, a pergunta clássica de: o que é mais real? Qual desses processos é uma verdade maior? Sato parece responder: Nenhuma. Nada é mais real, nenhuma é uma verdade maior. Porque a verdade é subjetiva.” Paulo Gallina – Crítico de Arte

Sutileza no recorte dos canais de cor que compõe uma fotografia, yellow, magenta, cyan e black, desmembra a foto revelando suas camadas a transformando num desenho com inteligência gráfica perfeito e sensual brincando com nossos sentidos.

Visitação 25 de setembro a 30 de outubro
Segunda a Quinta e Sábados das 14h as 18h
Galeria Quarta Parede – Av. Conselheiro Rodrigues Alves, 722, Vila Mariana, São Paulo, SP

http://www.flickr.com/photos/yy7779/
http://www.galeriaquartaparede.com/

Two Explicit - Nilson Sato

"It seems to me that he is to reconcile the issue of painting and photography, the classic question: what is more real? Which of these processes is a greater truth? Sato seems to answer: None. Nothing is more real, neither is a larger truth. Because the truth is subjective. "Paul Gallina - Art Critic

Subtlety in the clipping of the color channels that make up a photo, yellow, magenta, cyan and black, breaks the picture revealing its layers to becoming a perfect graphic design with intelligence and sexy playing with our senses.

Visitation September 25 to October 30
Monday to Thursday and Saturdays from 14h to 18h
Quarta Parede Gallery - Av Conselheiro Rodrigues Alves, 722, Vila Mariana, São Paulo, SP

http://www.flickr.com/photos/yy7779/
http://www.galeriaquartaparede.com/

Graffiti Fine Art | MUBE

2010-09-22T13:34:00.000-07:00

“As intervenções urbanas sempre estiveram presentes na história da cidade, em seus muros, nos banheiros públicos, nas fotos de Brassaï, mas nunca se difundiu de forma tão vasta quanto o estilo intitulado como graffiti na NY em 70. Com um estilo particular, associado ao hip hop e aos jovens dos bairros pobres da cidade, transgressivo, não autorizado, varreu o planeta.

Não se trata apenas de uma corrente artística, mas de um movimento que se desencadeou ao redor do mundo conquistando os jovens que foram se desenvolvendo e, trocando informações, abraçaram o mundo com uma estética e uma estratégia de conquista de espaços jamais vistas.”

* Trechos extraídos da exposição.

Artistas: Akuma, Anarkia, Anjo, Alex Hornest, Bates, Belin, Binho, Boleta, Bonga, BR, Brown, Bts, Can Two, Celso Gitahy, Cern, CES, Chivitz, Ciro, Dalata, Dmote, Does, Ethos, Faith 47, Flip, Graphis, Gueto, Guga, Highraff, Hyper, Izolag, Jaz, Jerry, Jey, John Howard, Markone, Ment, Mignore, Mr. Oheo, Nadu, Nem, Nina, Nick, Nothing Fancy, Nove, One Point, OPNI, Os Gêmeos, Ozi, Pato, Presto, Ramon, Ronah, Rui Amaral, Saile, Samir, Shock, Suiko, Tikka, Tinho, Titi, Totem 2, Toz, Trampo, Victorone, Vito-Afirma, Zezão.

Encerramento: 03 de outubro de 2010
Debates Programação: 25/09 – 15h – Garffiti e Social, 01/10 – 19h30 – Graffiti e Hip Hop, 02/10 – 15h – Graffiti e História

Mais informações: www.mube.art.br

Graffiti Fine Art - MUBE - Sao Paulo

“Urban interventions were always present in the history of the city, its walls in public bathrooms, in the photos of Brassaï, but never spread so wide as the style titled as graffiti in NY at 70. With a particular style associated with hip hop and youth from poor neighborhoods of the city, transgressive, unauthorized, swept the planet.

It is not just an artistic movement but a movement that has raged around the world conquering youth who were developing and exchanging information, have embraced the world with an aesthetic and a strategy of conquest of space ever seen.”

* Excerpt from exhibition.

Artists: Akuma, Anarkia, Anjo, Alex Hornest, Bates, Belin, Binho, Boleta, Bonga, BR, Brown, Bts, Can Two, Celso Gitahy, Cern, CES, Chivitz, Ciro, Dalata, Dmote, Does, Ethos, Faith 47, Flip, Graphis, Gueto, Guga, Highraff, Hyper, Izolag, Jaz, Jerry, Jey, John Howard, Markone, Ment, Mignore, Mr. Oheo, Nadu, Nem, Nina, Nick, Nothing Fancy, Nove, One Point, OPNI, Os Gêmeos, Ozi, Pato, Presto, Ramon, Ronah, Rui Amaral, Saile, Samir, Shock, Suiko, Tikka, Tinho, Titi, Totem 2, Toz, Trampo, Victorone, Vito-Afirma, Zezão.

Until October 3, 2010
Debates Schedule: 25/09 - 15h - Garffiti and Social 01/10 - 19h30 - Graffiti and Hip Hop, 02/10 - 15h - Graffiti and History

More info: www.mube.art.br

Entrevista Claudinei Roberto

2010-09-13T06:46:00.000-07:00

Entrevista com o idealizador, orientador do ateliê OÇO também curador da Galeria Cinesol e artista plástico Claudinei Roberto.

Interview Claudinei Roberto

Interview with the creator, leader of the art studio OÇO also Cinesol Gallery curator and artist Claudinei Roberto.

Gravuras em Metal | Marco Willians

2010-08-31T12:47:00.000-07:00

Meu primeiro contato com as gravuras de Marco Willians foi em 2005 numa exposição da AAMAM – Associação dos Amigos do Museu de Arte Moderna. A princípio as achei muito agressivas me causando um certo distanciamento, mas depois de ter aulas com Marco sobre desenho da cidade e me fazer sentir o peso que a arquitetura urbana tem sobre mim ou meu desenho, passei a admirar muito suas gravuras, a força, a velocidade e movimento que faz ao gravar o metal e as ranhuras formadas nos mostra claramente a estrutura da arquitetura, o peso e o enorme movimento que as grandes cidades possuem. Um trabalho com uma agressividade expressionista bem empregada com uma potência maravilhosa.

Os trabalhos podem ser vistos na exposição “Suportar a Cidade. A Cidade enquanto Suporte. (I)” na galeria Cinesol, Ateliê OÇO, na Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade, até o dia 25 de setembro de 2010.

Site Ateliê OÇO – http://www.atelieoco.com.br/

Engraving, Marco Williams

My first contact with the engraving of Marcus Williams was in 2005 an exhibition of AAMAM - Association of Friends of the Museum of Modern Art. At first I found them very aggressive, causing a certain distance, but after having lessons with Marco on city design and make me feel the weight of urban architecture has about me or my design, I admire very much your pictures, the strength, the speed and movement that makes the record to the metal and the grooves formed clearly shows the structure of the architecture, the enormous weight and movement of large cities have. A work with an expressionist aggressiveness well employed and a wonderful power.

The works can be seen in the exhibition " Support the City. The City as support. (I) "in the gallery Cinesol, Workshop OÇO at Praça Carlos Gomes, 115, Liberty, until the day September 25, 2010.

Site Studio OÇO - http://www.atelieoco.com.br/

Morada – Danilo Pêra

2010-08-24T13:24:00.000-07:00

Dia 14 de agosto rolou a abertura “Suportar a cidade. A cidade como suporte” no ateliê OÇO, exposição com quatro artistas todos muito bons, mas os trabalhos de um deles prendeu a minha atenção por mais tempo, “Morada”, intervenção urbana de Danilo Pêra, onde coloca um personagem nas calçadas do centro antigo da grande São Paulo. Danilo diz que a intervenção surgiu ao observar os moradores de rua e que o personagem criado era ele mesmo.
Esse trabalho me fez refletir, as ruas são a casa de muitas pessoas, me lembrou de uma conversa que tive com uma amiga sobre um documentário de famílias e gerações criadas nas ruas, onde não se imaginavam viver de outra forma.
Ao colocar um personagem seu nas ruas, Danilo pode nos dizer que elas são sua, nossa morada também e não podemos simplesmente fingir ou dizer não fazemos parte disso, mas sim tomar conta e nos apropriarmos de nossa morada, de nossa cidade.

Para ver vídeo e mais fotos da intervenção urbana visite:

http://www.flickr.com/photos/danilopera/

Mais informações sobre a exposição “Suportar a cidade. A cidade como suporte”:
http://www.atelieoco.com.br/

http://atelieoco.com.br/blog/

Residence, Danilo Pêra

Aug. 14 rolled the opening "Back to the city. The city as a support" in OÇO art studio, exhibition with four artists, all very good, but the work of one of them held my attention for longer, "Residence", urban intervention by Danilo Pera, where a character puts on the sidewalks of the old center of Sao Paulo. Danilo said the intervention appeared to notice the homeless and the character himself was created.
This work made me think, the streets are home to many people, reminded me of a conversation I had with a friend on a documentary and generations of families raised in the streets, where no thought to live differently.
By placing a character in its streets, Danilo can tell us that they are yours, and also our home we can not just pretend we do not do or say part of it, but take care and to appropriate from our home in our city.

To see video and more photos of urban intervention visit:
http://www.flickr.com/photos/danilopera/

More information about the exhibition "Back to the city. The city as a support":
http://www.atelieoco.com.br/

http://atelieoco.com.br/blog/

Encontro com Artista – André Yassuda

2010-08-03T12:21:00.000-07:00

No mês passado, dia 17 de julho, no ateliê OÇO participei do encontro com o artista André Yassuda em sua exposição “Monstros”. Confesso que meu primeiro contato com as esculturas causaram-me um estranhamento, sem saber se gostava ou não do que via, mas como diz meu grande orientador Claudinei Roberto gostar ou não gostar não é entender ou apreciar uma obra de arte, por isso a troca de idéias entre o público e o artista se torna de extrema importância para o desenvolvimento de uma cultura artística.

André revelou que no processo de desenvolvimento de suas esculturas em cerâmica deixa as coisas fluírem, percebemos nitidamente os gestos corporais e a cada luz refletida na maior das esculturas eram reveladas facetas e nuances de cores não percebidas sem a luz, nos diz que uma de suas influencias foram experiências tidas ao trabalhar na iluminação para um espetáculo de dança onde todos participavam dos processos corporais, quando estava trabalhando com a cerâmica não sabia ao certo qual seria o próximo movimento a modelar ele simplesmente aparecia de uma vontade do corpo, outra surpresa era ao levar a peça ao forno não sabia ao certo como o calor do fogo interferiria nas esculturas.

A partir disso nos fala da escolha do nome da exposição “Monstros”, estamos acostumados a associar a palavra monstros a coisas horrorosas, medonhas que nos causam medo, mas monstro muitas vezes pode ser algo que surge e é tão grande tão revelador tão libertador que não temos controle e ficamos completamente perplexos.

Meet with Artist - André Yassuda

Last month, July 17, in the studio OÇO attended the meeting with the artist André Yassuda in its exhibition "Monsters”. I confess that my first contact with the sculptures caused me uneasiness, without knowing whether or not he liked what he saw, but as says my great mentor Claudinei Roberto like or dislike is not to understand or appreciate a art work, so the exchange ideas between the public and the artist becomes extremely important for the development of an artistic culture.

André revealed that the process of developing their ceramic sculptures let things flow, we see clearly the body gestures and each reflected light in most of the sculptures were revealed facets and nuances of colors are not perceived without the light, tells us that one of his influences experiments were taken to work on lighting for a dance where everyone participated in bodily processes, when he was working with the pottery was not sure what the next move to model it just appeared the body of a will, another surprise was the lead the piece to the oven was not sure how the heat of the fire would interfere with sculptures.

From this tells us about the choice of the name of the show "Monsters”, we are accustomed to associating the word dreadful things to monsters, hideous that cause us fear, but monsters can often be something that emerges and is as large as revealing as that liberating that we have no control and we were completely baffled.

Re(nasce) exposição de Ina Hergert

2010-07-07T13:24:00.000-07:00

Começo esse post fazendo uma pergunta. Você lembra de seus sonhos? A exposição Re(nasce) de Ina está repleta dessas informações, imagens cheias de cargas emocionais, lembranças de família, lembranças do Kasaquistão, sua terra natal.

Traços caóticos e precisos com manchas de cor e algumas frases em inglês, português e russo, me causam uma certa perturbação e me faz pensar o que essa moça guarda dentro de si, me faz pensar o que guardo dentro de mim. Conversando com Ina conto sobre um sonho que tive, um búfalo sem pele dentro de um matadouro sendo levado para o sacrifício, ela diz sonhossss esses trabalhos são trabalhos resultados de 4 anos de terapia onde desenho minhas recordações e meus sonhos.

Jung aponta os sonhos como forças naturais que auxiliam o ser humano no processo de individualização, uma ferramenta da psique que busca o equilíbrio por meio da compensação, as situações absurdas dos sonhos não seriam uma fachada, mas a forma própria do inconsciente de se expressar.

Para Ina essa exposição representa o fechamento de uma fase vivida por muito caos, onde passou a entender seus conflitos mais profundos, sua posição como mulher, sua escolha de morar no Brasil, o papel da arte em sua vida, para ela a arte é essencial onde expressa e extravaza tudo o que tem dentro de si, termina a conversa dizendo para mim, desenhe esse búfalo vermelho.

Exposição Re(nasce), Ina Hgert
Ateliê OÇO, Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade
Encerramento 1º de agosto de 2010
Visitação quartas 20h às 22h sábados 14h às 18h

Re(born) Ina Hergert’s exhibition

I begin this post by asking a question. Do you remember your dreams? The exhibition Re(born) Ina is full of such information, images, full of emotional charges, family memories, memories of Kazakhstan, her hometown.

Chaotic and precise traces with patches of color and a few phrases in English, Portuguese and Russian, cause me some trouble and make me think what this girl keep inside, makes me think what I keep inside me. Talking with Ina tale about a dream I had, without a buffalo skin into a slaughterhouse being taken for sacrifice, she says dreamsssss these works are the results of 4 years of therapy where drawing my memories and dreams.

Jung points dreams as natural forces that help humans in the process of individualization, a tool of the psyche that seeks to balance through compensation, the situations absurd dream would not be a facade, but the shape of the unconscious to express itself.

For Ina this exhibition represents the closing phase experienced by a lot of chaos, where began to understand her deeper conflicts, its position as a woman, her choice to live in Brazil, the role of art in her life, her art is essential where expressly supersedes everything that has within it, ending the conversation saying to me, draw the red buffalo.

Exhibition Re(born), Ina Hergert
Art Studio OÇO, Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade
Closing August 1, 2010
Visitation on the Wednesdays at 22h 20h and Saturdays at 14h 18h

Ina Hergert Re(nasce)

2010-06-17T10:00:00.000-07:00

André Yassuda Monstros

2010-06-17T09:59:00.001-07:00

Janelas do Ateliê

2010-06-07T11:50:00.000-07:00

Os finais de tarde pelas janelas do ateliê são mágicas, me fazem entrar num estado de contemplação e contentamento. Minha mente pára, meus olhos viajam pelas luzes com suas variações e combinações de cores do azul e amarelo claro, laranjas e lilazes, sou transportada para um lugar onde todas as idéias são possíveis sem limite de criação. Percebo que a vida é mágica não importa o lugar onde esteja basta ter olhos para ver a mágica acontecer.

Por Tati Andimena

Fotos Janelas do Ateliê tiradas dia 5 de junho de 2010 por Tati Andimena.

Art Studio’s Windows

The afternoons through the art studio’s windows are magical, make me into a state of contemplation and contentment. My mind stops my eyes travels through the lights with their variations and combinations of blue and yellows, oranges and lilacs, I am transported to a place where all ideas are possible without limit of creation. I realize that life is magical no matter where you are just having eyes to see the magic happen.

By Tati Andimena

Photos Art Studio’s Windows taken June 5, 2010 by Tati Andimena.

De cadeira em cadeira | Tati Andimena

2010-05-31T12:22:00.000-07:00

Em 2005 desenvolvi desenhos usando cadeiras como objeto de observação, a princípio você presta atenção nas formas, na textura, nas cores, nos materiais usados, mas com o tempo de tanto observar e desenhar cadeiras outras questões vieram à tona quem ocupa essas cadeiras, o que essas cadeiras representam, qual a importância das pessoas que ocupam essas cadeiras. Após todas essas observações nasceram *monotipias “De cadeira em cadeira”

De cadeira em cadeira guerras são travadas
De cadeira em cadeira tratados são assinados
De cadeira em cadeira hierarquias são definidas
De cadeira em cadeira conceitos são criados
De cadeira em cadeira o mundo é governado

Esse ano que estamos para definir nossos novos representantes políticos, esse trabalho vem bem a calhar, pensemos com cautela quem queremos que sente nas cadeiras do Palácio do Planalto e possamos falar a seguinte frase “De cadeira em cadeira a democracia é bem exercida”.

Por Tati Andimena

“De cadeira em cadeira” de Tati Andimena, monotipias exibidas na exposição coletiva Investigando um território em junho de 2006 no espaço Annablume.

*Monotipia: técnica onde entinta uma superfície de vidro ou acrílico coloca o papel por cima prensa e tira o registro da imagem.

Chair chairs by Tati Andimena

In 2005 I developed drawings using chairs as object of observation, at first you notes the shapes, texture, colors, materials, but over time both to observe and draw chairs other issues have surfaced who occupy these seats, the that these chairs represent, what the importance of people who occupy those seats. After all those comments were born * monotypies “Chair chairs"

Chair chairs wars are fought
Chair chairs treaties are signed
Chair chairs hierarchies are defined
Chair chairs concepts are created
Chair chairs the world is governed

This year we set for our new politicians, this work comes in handy, consider carefully who we want to sit in the chairs of the Presidential Palace and can speak the following sentence "Chair-chair democracy is well exercised."

by Tati Andimena

"Chair chairs" of Tati Andimena, monotypes appear in a group exhibition “Investigating the territory” in June 2006 in space Annablume.

* Monotype: inker technique where a surface of glass or acrylic put paper on top and press the record takes the picture.

Yogi e lugares na cidade | Tati Andimena

2010-05-28T07:36:00.000-07:00

Esse ano no ateliê as discussões se pautam na cidade, onde procuramos registrar geografias de lugares que nos chamam atenção e passam despercebidos no dia-a-dia. Numa dessas andanças pela cidade comecei a perceber que muitas vezes estávamos em lugares esquisitos, esquecidos e degradados, mas eu me sentia muito bem e me dava uma vontade de parar um pouco naquele lugar para meditar dar atenção ao espaço e a sua história. Assim nasce a série “Yogi e lugares na cidade”, fotos com ilustração no formato 27,64 x 20,73cm. Acima as primeiras imagens da série... Essa história continua...

Por Tati Andimena

* Agradecimento à meu amigo Cesar que me ajudou nas fotos das posições de meditação.

Yogi and places in the city by Tati Andimena

This year the workshop discussions are guided in the city, where we tried to register geographies of places that call our attention and pass unnoticed in day-to-day. In these walks across the city I began to realize that many times we were in weird places, forgotten and degraded, but I felt very well and gave me a desire to stop at a little to meditate and give attention to the place and its history. Thus was born the series "Yogi and places in the city", photos illustrating the format 27.64 x 20.73 cm. Above the first images of the series ... This story continues ...

By Tati Andimena

* Thanks to my friend Cesar who helped me in the pictures of the meditation’s positions.

Sobre Tudo | Exposição Nilson Sato

2010-05-24T12:03:00.000-07:00

Nilson Sato retrata os transeuntes da cidade, o que seduz no trabalho dele é o vazio, como trabalha com os espaços em branco, como o vazio o ausente está tão presente e tem uma força, a cidade não se apresenta de forma óbvia, mas claramente está lá. Percebo seus cruzamentos nas séries sacolas, onde pessoas atravessam a rua e me traz a sensação de que Nilson espera pelo momento certo para captar expressões e relações desses transeuntes, cansados, irritados, desesperançados, ou a espera de alguma coisa. Alias o trabalho “Espera” agora passa a ser o meu favorito, onde me fez pensar o que esses personagens estão esperando, o trem na estação do metrô, dias melhores ou simplesmente a vida passar? A série “Olhares” me intriga muito onde os transeuntes não têm olho, mas a expressão de seu rosto revela muito do que estão sentindo, consegui captar suas emoções, mas não sua alma, pois o olhar é o espelho da alma.
O trabalho de Nilson me transmite muita relevância com questões muito importantes, não é a “cidade” que faz os transeuntes, mas sim os transeuntes que fazem a “cidade”, outra questão como os transeuntes se relacionam com a “cidade” ou com o outro. Não preciso dizer que sou super fã desses trabalhos e dizer que vale a visita nessa expo.

Exposição “Sobre Tudo” de Nilson Sato
Local: Ateliê OÇO, Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade
Visitação: quartas 20h as 22h sábados das 14h as 18h
Encerramento: 13 de junho de 2010

Mais informações:
Nilson Sato
Celular: 55 11 9748 6444
Email: niys@ymail.com
http://www.flickr.com/photos/yy7779/

Sobre Tudo Exhibition Nilson Sato

Nilson Sato portrays the passersby in the city, whats seduces in him work is empty, how it works with the blanks, like the missing gap is so present and has a force, the city has not so obvious, but clearly is there. Realize their crosses in the series bags, where people cross the street and brings me the feeling that Nilson waiting for the right moment to capture expressions and relationships of these transients, tired, angry, hopeless, or waiting for something. Alias the work "Wait" now becomes my favorite, which made me wonder what these characters are waiting for the train in the subway station, or simply a better day life go? The series "Perspectives" intrigues me where pedestrians have no eye, but the expression on his face reveals much of what they are feeling, I managed to capture their emotions, but not his soul, because the look is the mirror of the soul.
Nilson's work makes me feel very important to very important issues, not the "city" that makes passersby, but passersby who do the "city", another issue as passersby relate to "city" or another. Needless to say I'm super fan of the work and say that is worth a visit this expo.

Exhibition "Sobre Tudo" by Nilson Sato

Location: Art Studio OÇO, Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade, Sao Paulo, SP, Brazil
Visitation: Wednesdays 20h 22h Saturdays from 14h to 18h
Closing: June 13, 2010

More information:
Nilson Sato
Cell Phone: 55 11 9748 6444
Email: niys@ymail.com
http://www.flickr.com/photos/yy7779/

De Passagem exposição de Mariza Hirata

2010-04-30T10:22:00.000-07:00

O trânsito constante. De idéias, de lugares, de personagens. Eis as bases para a exposição no espaço concedido. Na passagem de idéias e personagens, os auto-retratos, retratos alheios e variações de estudos, como a escultura que transgride sua forma original de arcada dentaria, e também dá origem a um tríptico de imagens impressas. Na passagem de lugares, a série fotográfica Não- lugares, partindo de um estudo do livro de Marc Augé, entitulado “Não-lugares - Introdução a uma antropologia da supermodernidade”.

01 de maio encontro com a artista Mariza Hirata
Local: Ateliê OÇO Horário: 16h Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade
Visitação
Segundas das 13h às 18h Quartas das 20h às 22h Sábados das 14h às 18h Domingos das 14h às 18h
08 de maio Encerramento Exposição

Contato:
Mariza Hirata
55 11 9133 0092
marizayuriko@gmail.com

De Passagem exhibition of Mariza Hirata

The constant traffic. Ideas, places, characters. There are the bases for the exhibition in the granted space. In the passage of ideas and characters, the self-portraits, somebody else's portraits and variations of studies, like the sculpture that infringes his original form of dental ridge, and also it gives rise to a triptych of printed images. In the passage of places, the photographic series Not - places, leaving from a study of the book of Marc Augé, nominated “ Non-places - Introduction to an anthropology of the supermodernity ”.

May 1, Talking with the artist Mariza Hirata
Place: Art Studio OÇO 16h Address: Praça Carlos Gomes, 115, Liberdade
Visitation
Mondays of 13h to 18h Wednesdays of 20h to 22h Saturdays of 14h to 18h Sundays of 14h to 18h
May 8, Close Exhibition

Contact:
Mariza Hirata
55 11 9133 0092
marizayuriko@gmail.com

Caminhada Cambuci

2010-04-13T10:09:00.000-07:00

Cambuci um bairro histórico. Nos tempos do império servia de passagem para quem chegava a São Paulo, se tornou um lugar fabril e de operários, abrigou um grande artista brasileiro “Alfredo Volpi”, atualmente um pouco degradado com muitas gráficas e grafites espalhados por suas ruas.
Uma amiga e eu resolvemos dar uma caminhada por lá, a fim de encontrar índices de uma história e sim encontramos muitas casinhas antigas e grandes galpões, mas fomos contaminadas pelas cores dos grafites em suas ruas.
Encontramos com as meninas de olhos grandes de Nina, bombs de língua de fora, o Urso Morto queimando em um fogaréu, os homens amarelos dos Gêmeos, como grafiteiros e retirantes, o homem talhado do Nunca.
Ao parar para ver arte de rua num lugar um pouco degradado, nos lembrou como muitas vezes não damos valor para nossa história ao não preservarmos nossa cidade e que esses grafiteiros estão aí para atrair nosso olhar a lugares muitas vezes esquecidos ou não notados no corre-corre diário.

Para conhecer mais do trabalho de Gêmeos, Nina, Nunca e Urso Morto
Gêmeos - http://www.12ozprophet.com/index.php/os_gemeos/
Nina - http://www.galerialeme.com/artistas_bio.php?lang=por&id=46
Nunca - http://www.lost.art.br/nunca.htm
Urso Morto - http://www.flickr.com/photos/ursomorto/

Walking Cambuci

Cambuci a historic district. In the days of empire served as a passageway for those who came to São Paulo, became a place of factories and workers, had a great artist, "Alfredo Volpi, currently a bit run down with many graphics and graffiti throughout its streets.
A friend and I decided to take a walk there, to find rates of history, but we find many old houses and big sheds, but were contaminated by the colors of graffiti on their streets.
Met Nina’s girls with big eyes, bombs tongue out, Urso Morto burning in a bonfire, Gêmeos’s yellow man, as graffiti artists and refugees, Nunca’s man carved.
When we stop to see street art in a place a bit run down, reminded us how often we do not give value to our history by failing to preserve our city and that these graffiti artists are there to attract our attention to places often overlooked or not noticed in the run-runs daily.

To know more about the work of the Gêmeos, Nina, Nunca and Urso Morto

Gêmeos - http://www.12ozprophet.com/index.php/os_gemeos/
Nina - http://www.galerialeme.com/artistas_bio.php?lang=por&id=46
Nunca - http://www.lost.art.br/nunca.htm
Urso Morto - http://www.flickr.com/photos/ursomorto/

Brava Gente | Tide Hellmeister

2010-03-22T13:59:00.000-07:00

Esse domingo que passou, fui ver a exposição “Brava Gente” do grande artista gráfico Tide Hellmeister, não poderia deixar de ver essa expo já que uma parte de minhas discussões plásticas está se pautado na colagem. Para quem ainda não foi ver ainda dá tempo porque essa exposição estará aberta até o dia 28 de março, no Centro Cultural Caixa Econômica da Praça da Sé em São Paulo. Abaixo um texto de Tide extraído da exposição.

Às vezes in, às vezes quieto

Como não tenho palavras, faço minhas letras, construo meus alfabetos, destruo imagens, reconstruo outras. Tento reviver as coisas. Tento dar sentido a qualquer coisa. Para mim tudo é linguagem, tudo é colagem. Fragmentos, pedaços ou inteiros que chamo de meus personagens, meus atores. Coloco-os no cenário que também recrio. Então procuro, disso tudo, montar a minha peça, o meu teatro – junto uma trupe de materiais / intérpretes. Um trabalho que pode ser um monólogo ou somente o cenário, até mesmo ninguém no palco, onde a iluminação seja o sol, que na sua trajetória faça mover através de luz e sombra tudo o que está lá. Sem palavras, mas com som, um violão ou talvez uma sinfônica com todos os instrumentos. A melodia, a sonata, a ressonância, o conteúdo sinfônico – tonal, atonal, seja lá o que for, para ou vir ou sentir com os olhos. Fazedor e refazedor, no caminho para chegar lá. Às vezes sonho em preto e branco, às vezes em sépia e raras vezes em outras cores. Converso muito com o meu trabalho. Nem sempre tenho resposta. Busco entendê-lo e, quando não, guardo-o na gaveta e retomo a conversa no dia seguinte. Ou, quem sabe? E assim vivo e revivo com a obra, mesmo enquanto ela hiberna. Quando despertamos desse estado, o processo pode se concluir. Ou não. Tudo de novo, de novo e de novo. Pois colagem é inquietude. Como viver é incessante.

Tide Hellmeister

Para conhecer mais desse grande artista visite os links abaixo.

Site - http://www.collages.com.br/
Flickr - http://www.flickr.com/photos/tidehellmeister

Vídeo – Palestra de Tide num evento de design
http://www.youtube.com/watch?v=2Qv7xjkM_tw

Vídeo – Colagens Tide Hellmeister
http://www.youtube.com/watch?v=AJuOQjlG_nk

Brava Gente Tide Hellmeister

Last Sunday, I saw the exhibition "Brava Gente" the great graphic artist Tide Hellmeister, could not fail to see the exhibition because a part of my plastic discussions is guided by the collage. For those who still do not even have time for this exhibition will be open until March 28 in the Centro Cultural Praça da Sé in São Paulo. Below a text extracted from the Tide exhibition.

Sometimes unquiet, sometimes quiet

How I have no words, I make my letters, build my alphabets, destroy files, rebuild others. I try to revive things. I try to make sense of anything. For me everything is language, everything is collage. Fragments, pieces or whole I call my characters, my actors. I put them in the scenery that also re-create. So I try, it all, ride my number, my theater - with a troupe of materials / interpreters. A job that can be a monologue or just the scenery, even one on the stage, where lighting is the sun, which in its way to make moving through light and shadow all that is there. Without words but with sound, a guitar or maybe a symphony with all instruments. The music, the sonata, the resonance, the content symphonic - tonal, atonal, whatever it is, or to see or feel with your eyes. Maker and remaker on the way to get there. Sometimes I dream in black and white, sometimes sepia and rarely in other colors. I talk a lot with my work. I have not always answer. I seek to understand it and if not, keep it in the drawer and resume the conversation the next day. Or, who knows? So live and relive with the work, even while it hibernates. When we awaken from this state, the process can be concluded. Or not. All over again, again and again. For collage is restlessness. How to live is ceaseless.

Tide Hellmeister

To see more about this great artist visit the links below.

Site -http://www.collages.com.br/

Flickr - http://www.flickr.com/photos/tidehellmeister

Video – Lecture Tide a design event
http://www.youtube.com/watch?v=2Qv7xjkM_tw
Video – Collages Tide Hellmeister
http://www.youtube.com/watch?v=AJuOQjlG_nk

Mostra 2O1OÇO

2010-03-22T10:44:00.000-07:00

No dia 13 de março de 2010 o ateliê OÇO sob curadoria de Claudinei Roberto e Paulo Gallina inaugurou suas atividades com uma exposição coletiva com trabalhos de Alexandre Andrade, Anne Caroline B. Lima, Claudinei Roberto, Danilo Pêra, Ina Hergert, Irene Nedavaska, Laura Prado, Leila Nazareth Ligia Carvalho. Marcelo d'Salete, Marco Willians, Mariza Hirata Nilson Sato, Nivaldo Carmo, Patrícia Sayuri, Tati Andimena. Exposição até dia 10 de abril, visitas de segundas das 13h às 18h, quartas das 20h às 22h, sábados das 14h as 18h e domingos das 14h às 18h.

Mais informações
Claudinei Roberto:11 8952 6883
Email: contato@atelieoco.com.br
Site: http://www.atelieoco.com.br/

On March 13, 2010 the art studio OÇO curated by Claudinei and Paulo Roberto Gallina inaugurated its activities with a group exhibition with works by Alexandre Andrade, Anne Caroline B. Lima, Claudinei Roberto, Danilo Pera, Ina Hergert, Irene Nedavaska, Laura Prado, Leila Nazareth Ligia Carvalho. Marcelo d'Salete, Marco Williams, Mariza Hirata Nilson Sato, Nivaldo Carmo, Patrícia Sayuri, Tati Andimena. Exhibition until April 10, visits Mondays from 13h to 18h, Wednesday from 20h to 22h, Saturdays from 14h to 18h and Sundays from 14h to 18h.

More information
Claudinei Roberto: 11 8952 6883
Email: contato@atelieoco.com.br

Site: http://www.atelieoco.com.br/

Abertura OH! São Paulo

2010-03-03T10:35:00.000-08:00

A exposição do grupo OH! São Paulo ficará abertura durante todo o mês de março no Espaço Galeria 3058A na Rua Consolação, Jardins.

Opening OH! São Paulo

The exposure of the OH! São Paulo group will be open throughout the month of March at Space Gallery at 3058A Consolation Street, Jardins.

Temporal – A Arte de Stephan Doitschinoff

2010-02-24T12:09:00.000-08:00

Filme mostra Stephan desenvolvendo sua arte na cidade de Lençóis na Bahia, um site specific com pintura em muros, fachadas de residências, numa estética do sagrado e profano, vida e morte, influenciada pela cultura local. Vale ver também mais ao final do vídeo o trabalho feito numa capelinha onde não quis usar a acidez e crítica as instituições para não ferir a sensibilidade das pessoas.

Stephan Doitschinoff - Site: http://www.stephandoit.com.br/

Temporal - A Arte de Stephan Doitschinoff - Parte 1

Temporal - A Arte de Stephan Doitschinoff - Parte 2

Temporal – The art of Stephan Doitschinoff

Movie shows Stephan developing his art in the city of Lençóis in the Bahia, a site specific with painting in walls, fronts of residences, in an aesthetics of the sacred and profane thing, life and death influenced by the local culture. It is worth seeing also more to the end of the video the work done in a church where the acidity and criticism did not want to use the institutions not to injure the sensibility of the persons.

Stephan Doitschinoff - Site: http://www.stephandoit.com.br/

De dentro para fora De fora para dentro

2010-02-16T09:22:00.000-08:00

No último domingo dia 14 de fevereiro de 2010, resolvi não me entreter com as festanças de carnaval e fui ver o último dia da exposição De Dentro para Fora de Fora para Dentro no MASP, minhas percepções visuais ficaram totalmente absorvidas pelos grafites. Senti o caos que as ruas das cidades grandes transmitem através das pinceladas caóticas e misturas de cores de Carlos Dias, pude entrar numa galeria subterrânea e ver os traços azuis de Zezão que transformam o submundo das cidades através de sua arte e sua coragem ao ir a lugares onde a maioria não iria, fiquei encantada com a estética do sagrado e profano de Stephan Doitschinoff e sua mistura de cultura popular com arte barroca com traços próprios e marcantes. Ao andar pela exposição pude notar como os trabalhos de Titi Freak e Daniel Melim, interagem tão bem com diversos suportes, me lembrou a degradação de alguns aspectos de uma metrópole. O painel de Ramon Martins com as figuras femininas na banheira e sua água transbordando pelo chão do museu, me fez lembrar quais emoções tenho nesse turbilhão social em que vivemos. Para quem não conseguiu visitar a expo segue um vídeo dividido em duas partes.

Parte 1 - Carlos Dias, Ramon Martins e Stephan Doitschinoff - Exposição De dentro para fora De fora para dentro

Parte 2 - Titi Freak, Zezão e Daniel Melim - Exposição De dentro para fora De fora para dentro

From the inside out From the outside

On Sunday the 14th of February 2010, decided not to entertain myself with the revelry of carnival and went to see the last day of the exhibition From the Inside Out Outside In the MASP, my visual perceptions were totally absorbed by the graffiti. I felt the chaos that the streets in major cities pass through the chaotic brushstrokes and mixes colors Carlos Dias, could enter into a subterranean gallery and see the blue traces Zezão that transform the underworld of cities through his art and his courage in going to places where most would not, I was delighted with the aesthetic of the sacred and profane Stephan Doitschinoff and its mix of popular culture with baroque art with its own traits and outstanding. While walking I could see the exhibition as the works of Titi Freak and Daniel Melim, as well as interact with various media reminded me of the degradation of some aspects of a metropolis. The panel of Ramon Martins to the female figures in the bathtub and his water spilling on the floor of the museum, which reminded me that emotions have social turmoil in which we live. For those unable to visit the expo follows a video divided into two parts.

Abertura 4ª Anual Ateliê OÇO

2009-12-14T12:30:00.000-08:00

Dia 28 de novembro aconteceu a abertura da 4ª anual do ateliê OÇO, na Praça Carlos Gomes, 115 no bairro da Liberdade. As pessoas que acompanham as anuais desde a primeira sentiram que essa tem um significado maior onde a anual se mostrar mais profissional, outros sentiram a exposição íntima com eleição de trabalhos que são bem pessoais aos artistas. Também rolou a abertura da mostra de dança, com uma coreografia que chamava todos a dançar. Encerramento dia 19 de dezembro de 2009.

4ª anual ateliê OÇO
Encerramento: 19 de dezembro de 2009
Endereço: Praça Carlos Gomes, 115, próximo ao metrô Liberdade
Contato: Claudinei Roberto
Cel.: 55 11 8952 6883

4th Annual opening Art Studio OÇO

Day 28 of November happened the opening of the 4th annual one of the studio OÇO, in the address Praça Carlos Gomes, 115 in the district of the Liberdade. The persons who accompany the annual ones from the first one felt that that one has a big meaning where the annual one to appear more professional, others felt the intimate exhibition with election of works that are quite personal to the artists. Also it rolled the opening of the display of dance, with a choreography that was calling all dancing. Close day 19 of December of 2009.

4th annual art studio OÇO
Close: 19 of December of 2009
Address: Praça Carlos Gomes, 115, near to the Liberdade subway
Contact: Claudinei Roberto
Cell: 55 11 8952 6883

Alexandre Andrade – Pinturas de Família

2009-12-14T12:17:00.000-08:00

Retratar seu avô através da pintura foi a primeira inspiração para iniciar o trabalho, depois seu pai e seu avô juntos, mas a medida que ia terminando as telas percebeu que buscava não apenas fazer uma pintura figurativa mas sim mais liberdade de gestos com as tintas e suas cores, passou assim por mais dois retratos de sua filha um mais realista e outro expressionista, ele não sabe se sua família continuará sendo inspiração para suas pinturas, só sabe de uma coisa continuará pintando.

Contatos:
Email: alex.wsa@terra.com.br
Cel.: 55 11 8065 5919

Alexandre Andrade – Paintings of Family

To portray his grandfather through the painting was the first inspiration to begin the work, then his joined father and his grandfather together, but the measure that was finishing the paintings realized for what it was looking for do not punish to do a figurative painting but yes more freedom of gestures with the paints and this colors, it passed so over more two portraits of his daughter more realistic and other expressionist, he does not know if his family will keep on being an inspiration for his paintings, only he knows of a thing it will keep on painting.

Contacts:
Email: alex.wsa@terra.com.br
Cell: 55 11 8065 5919

Anne Caroline Bitencourt Lima – Fotografias observadoras

2009-12-14T11:53:00.000-08:00

Um móbile infantil toca uma musiquinha de ninar com fotografias de partes de seu corpo, ao lado de uma porta perto do rodapé uma série de retratos de um menininho japonês e loirinho, na parede oposta uma série de luzes de uma procissão, o que essas fotografias têm em comum, um olhar a sua maneira e de ângulos variados da artista sobre seu corpo, sobre uma criança e uma cena da vida.

Contato:
Email: anneblima@gmail.com

Anne Caroline Bitencourt Lima – Observant Photographies

A childlike mobile plays a song of to sleep with photographies of parts of her body, beside a door near to the baseboard a series of portraits of a blond Japanese little boy, in the opposite wall a series of lights of a procession, what these photographies have in common, a glance of a her way and of varied angles of the artist on her body, on a child and a scene of the life.

Contact:
Email: anneblima@gmail.com

Irene Nedavaska – Monotipias com formas da natureza

2009-12-14T11:17:00.000-08:00

Irene Nedavaska começou sua pesquisa em monotipias há 5 anos, continua usando folhas como carimbo e manchas de cor impressas em variadas superfícies, começa a brincar com os tons preto e branco em suas folhas e as manchas coloridas deixam de serem impressas em papéis e vão para telas coloridas.

Contato:
Email: irenk@terra.com.br

Irene Nedavaska – Monotypies with the forms of the nature

Irene Nedavaska began her inquiry in monotypies be 5 years, keep on using leaves like stamp and stains of color printed in varied surfaces, it begins to play with the black and white tones in her leaves and the colorful stains stop being printed in papers and go for colorful canvas.

Contact:
Email: irenk@terra.com.br

Nivaldo do Carmo – Retratos de Personalidades Negras

2009-12-14T10:53:00.000-08:00

Cores fortes e vivas com pinceladas mais fortes ainda, foi assim que esse artista escolheu retratar importantes personalidades negras, o artista plástico Jean Michel Basquiat, o guitarrista Jimi Hendrix e o líder político Martin Luther King. Me disse que essas pinturas continuarão como forma de resgatar a identidade negra muitas vezes perdida entre tantas coisas.

Contato:
Email: nivalcarmo@hotmail.com
Cel.: 55 11 8987 0131

Nivaldo do Carmo – Portraits of Black Personalities

Strong and lively colors with stronger strokes, it was still so what this artist chose to portray important black personalities, the plastic artist Jean Michel Basquiat, the guitarist Jimi Hendrix and the political leader Martin Luther King. One said what these paintings will continue like the form of rescuing the black identity very often lost between so many things.

Contact:
Email: nivalcarmo@hotmail.com
Cell: 55 11 8987 0131

Patrícia Sayuri – Fotografias Rendadas

2009-12-14T09:56:00.000-08:00

Ao admirar as fotografias da Sayuri, pensei esse olhar só pode ser de alguém que desenha, linhas das rendas nos corpos dos modelos vivos na sala escura reveladas pela luz propositadamente escolhida. Um belo e sensível jogo de luz transforma os corpos em superfícies desenhadas.

Contato:
Email: patty_patota@hotmail.com

Patrícia Sayuri – Lace-trimmed Photographies

While admiring the Sayuri’s photographies, I thought this glance only can be of someone whom it draws, lines of the incomes in the bodies of the lively models in the dark room revealed by the intentionally chosen light. A beautiful and sensitive lighting effects turn the bodies into drawn surfaces.

Contact:
Email: patty_patota@hotmail.com

Tati Andimena – Colagens Flamencas

2009-12-14T09:07:00.000-08:00

Tati Andimena estava afastada das artes plásticas, mas depois de algumas sessões de modelo vivo flamencas, onde desenhou sua amiga e tentar captar a dança flamenca, voltou a entrar em contato com sua arte.
Ao captar os movimentos da dança com ajuda de sua amiga, a qual entendia bem do assunto, percebeu a riqueza e força da flamenca. Resolveu continuar abordando suas colagens, unindo a fluidez e grafismo de seus desenhos com a vivacidade e força das cores e suas formas.
Colagens Flamencas, no formato 42 x 59,4 cm, união de dois universos, dança e artes plásticas.

Contatos:
Email: tati.andimena@yahoo.com.br
Cel.: 55 11 8114 5564

Tati Andimena – Collages Flamencas

Tati Andimena was removed of the plastic arts, but after some of flamencas lively model sessions, where it drew her friend and to try to catch the flamenca’s dance, she got in touch again with her art.
While catching the movements of the dance with help of her friend, who was understanding well of the subject, it realized the wealth and strength of the flamenca. It resolved to keep on boarding her collages, joining the fluidity and lines of her drawings with the vivacity and strength of the colors and forms.
Collages Flamencas, in the format 420 x 594 mm, union of two universes, dance and plastic arts.

Contacts:
Email: tati.andimena@yahoo.com.br
Cell: 55 11 8114 5564

Exposição Própriocepção | Cleide Yamasaki

2009-09-23T09:53:00.000-07:00

Olhar para si de uma forma diferente, deitar no chão e sentir o peso do corpo, com as mãos tateá-lo a procura de suas formas e volumes, levar todas essas sensações para a memória e recriá-la em forma de traços, cores, pinceladas aquareladas numa superfície em branco.
A viagem nas impressões de si mesma se dá através dos desenhos e aquarelas de modelo vivo próprio, série de acrílicas com imagens de polvos mergulhados no abismo azul.
Ao admirar esses trabalhos senti uma dor e ao mesmo tempo sensação de superação, sentimentos misturados em toda experiência de quem se permite se conhecer por outra visão.

Local: Ateliê OÇO
Endereço: Praça Carlos Gomes, 115, próximo ao metrô Liberdade, São Paulo, SP, Brasil
Visitação: de 21/09 a 17/10 segundas-feiras das 15h00 as 21h00, quartas-feiras das 19h00 as 22h00, sábados da 13h00 as 18h00

Exhibition Própriocepção Cleide Yamasaki

Looking at inside with another way, lay down in the ground and feels the weight of the body, with the hands touching it searching its shapes and bulks, taking all these sensations to the memory and recreating it in the lines, colors, watercolor painted in a blank surface.
The journey in herself impressions happens through the drawings and watercolors of herself lively model, acrylic series with images of octopus plunged into the blue abyss.
While admiring these works I felt a pain and at the same time one overcome sensation, which feelings mixed in all experience it is allowed to know for another vision.

Place: Ateliê OÇO
Address: Praça Carlos Gomes, 115, next subway station Liberdade, São Paulo, SP, Brazil
Visitation: from 21/09 to 17/10 on Mondays of 3 pm them 9 pm, on Wednesdays of 7 pm them 10 pm, on Saturdays of 1 pm them 6 pm

Uma artista e uma flamenca | Tati Andimena

2009-09-08T15:51:00.000-07:00

Era uma noite de domingo fria e chuvosa, a artista tinha enterrado uma parte de sua história aquele dia e já estava com seus sentidos mais aflorados, a flamenca estava ansiosa por não saber exatamente o que aconteceria.

Em meio a xales espanhóis, castanholas, flores, saias rodadas, a flamenca se tornara modelo vivo e se despia e despia a dança para a artista. As guitarras de Paco de Lucia davam o ritmo da sessão e a “syrah” a poesia que faltava.

Duelo e integração de movimentos e olhares, movimentos das mãos no saiote com as batidas das castanholas e marcação dos pés, olhares fortes e femininos, uma mistura de sensações são transmitidas para os traços definidos e sem hesitação da desenhista, parecendo estar possuída pela música e pela dança flamenca, suas mãos desenham dançando quase que sem parar por duas horas.

Duas horas se passam Paco de Lucia para de tocar suas guitarras e as duas extasiadas encerram a sessão com a sensação de que foram tomadas pela dança flamenca.

Por Tati Andimena

*Desenhos digitais de Tati Andimena feitos a partir de desenhos originais da sessão de modelo vivo com sua amiga flamenca.

An artist and a flamenca Tati Andimena

It was one cold and rainy Sunday night, the artist had buried a part of his history that day and it was already with her most emerged senses, the flamenca was anxious because of not knowing exactly what it would happen.

Amid spanish shawls, castanets, flower, wide skirts, the flamenca had become a lively model and one was taking off her clothes and was taking off the dance for the artist. Paco the Lucia’s guitars were giving the rhythm of the session and the “syrah” to poetry that was lacking.

Duel and integration of movements and glances, movements of the hands in the short skirt with the beats of the castanets and marking of the feet, strong and feminine glances, a mixture of sensations are transmitted for the definite and without hesitation of the designer’s lines, seeming to it to be had by the music and by the flamenca’s dance, his hands draw dancing almost without stopping for two hours.

Two hours goes on Paco de Lucia stop to play his guitars and the two ecstatic women shut the session in with the sensation of which they were taken for the flamenca’s dance.

By Tati Andimena

*Digital drawings by Tati Andimena done from original drawings of lively model session with her flamenca’s friend.

Tapeçaria Contemporânea | Norberto Nicola

2009-09-08T12:22:00.000-07:00

Até dia 13 de setembro a Pinacoteca de São Paulo exibe a exposição “Tapeçaria Contemporânea” de Norberto Nicola.

Nicola começa sua carreira artística como pintor em 1954, fazendo parte do Atelier Abstração, núcleo introdutor da arte abstrata no Brasil. Após ver exposição do tapeceiro figurativo francês Jean Lurçat em Paris no ano de 1958 decide estudar técnicas de tapeçaria para usá-las em trabalhos de linguagem abstrata e geométrica, um ano depois funda com Jacques Douchez, o Atelier Douchz-Nicola de Tapeçaria.

Na década de 70, Douchez e Nicola realizam muitas exposições no Brasil e no exterior que influíram na divulgação da tapeçaria contemporânea, levando o novo à ancestral arte têxtil e colocando-a em diálogo com a escultura e as artes tridimensionais.

Organiza a primeira grande mostra de arte plumária dos índios brasileiros, em 1980, no Museu de Arte Moderna de São Paulo, com assessoria técnica das antropólogas Lux Vidal, Sonia Dorta e Lucia van Velthem. Exposição que viaja vários países, com um acervo que inclui, mais de 300 peças de 39 tribos. É a primeira vez que organiza no Brasil uma mostra de arte para cumprir roteiro no exterior.

Obras em principais coleções públicas

Museu de Arte de São Paulo (MASP), SP
Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, RJ
Museu de Arte do Rio Grande do Sul, POA, RS
Embaixada do Brasil em Bogotá, Colômbia
Pinacoteca do Estado de São Paulo
The Power Gallery of Contemporany Art, University of Sidney, Austrália
The Museaum of Fine Arts, Houston, Texas, EUA
San Francisco Museaum of Modem Art, San Francisco, Califórnia, EUA
Fundação Gutbenkian, Lisboa, Portugal
The National Museum of Art, Osaka, Japão

Contemporary tapestry Norberto Nicola

Until 13 of September the Pinacoteca of Sao Paulo shows the exhibition “ Contemporary Tapestry ” of Norberto Nicola.

Nicola begins his artistic run like painter in 1954, making part of the Atelier Abstration, nucleus that introduced the abstract art in Brazil. After to see exhibition of the figurative upholsterer Jean Lurçat in Paris in the year of 1958 decides to study techniques of tapestry to use them in works of abstract and geometrical language, one year later it establishes with Jacques Douchez, the Atelier Douchz-Nicola of Tapestry.

In the decade of 70, Douchez and Nicola carry out many exhibitions in Brazil and abroad what influenced the spread of the contemporary tapestry, when textile is taking the new to the ancestral art and placing it in dialog with the sculpture and the 3D arts.

It organizes the first great display of art plumária of the Brazilian Indians, in 1980, in the Museum of Modern Art of Sao Paulo, with technical advisory body of the anthropologists Lux Vidal, Sonia Dorta and Lucia van Velthem. Exhibition that travels several countries, with heap that it includes, more than 300 pieces of 39 tribes. It is the first time that organizes in Brazil a display of art to carry out itinerary abroad.

Works in principal public collections

Museum of Art of São Paulo (MASP), SP
Museum of Modern Art of the Rio de Janeiro, Rio de Janeiro
Museum of Art of Rio Grande do Sul, POA, Rio Grande do Sul
Embassy of Brazil in Bogota, Colombia
Pinacoteca of the State of São Paulo
The Power Gallery of Contemporany Art, University of Sidney, Australia
The Museaum of Fine Arts, Houston, Texas, USA
San Francisco Museaum of Modem Art, San Francisco, Califórnia, USA
Foundation Gutbenkian, Lisbon, Portugal
The National Museum of Art, Osaka, Japan

Venha Comigo | Toni Costa Mengual

2009-08-23T13:17:00.000-07:00

A exposição "Venha comigo - aquarelas e monotipias" reúne uma pequena mostra dos trabalhos feitos durante o período de intercâmbio escolar na Eca, Escola de Comunicações e Artes, da USP. Toni é estudante da Faculdade San Carlos, pertencente à Universidade Politécnica de Valencia na Espanha.
O título “Venha comigo” teve um duplo sentido. Por um lado refere-se às memórias captadas das paisagens e modelos dos quais provém as obras, quase sempre utilizando o modelo vivo, e como faz uma câmera, toma como lembrança aquilo que aconteceu diante de nós e que finalmente chega conosco em casa, a nossa experiência. É quase um caderno de viagem, um olhar que atribuía sentido aos lugares e pessoas que o cercavam. A outra leitura é um convite que se faz para o espectador, para que descubra novos lugares através das obras, como janelas que convidam a descobrir por onde meus olhos passaram.
Nela se pode olhar obras que pertencem à várias linhas ou temas que continuaram se desenvolvendo, mas que começaram à partir das novas experiências recebidas com a chegada de um estrangeiro a um lugar desconhecido e tudo que o conduz.
Diante do trabalho feito, as aquarelas, as monotipias, os desenhos de carvão ou de cor, as gravuras, constroem imagens que se transformam em objetos, imagem e percepção sobre alguns suportes que nos fazem pensar sobre os lugares ou as coisas que estão em nossa volta. É muito importante o meio pelo qual se diz, a pintura tem um olhar e um tato, o tempo que demora para se fazer uma imagem, qualidades especiais que conserva há muitos séculos.
Pintar é uma forma de falar, de encontrar novas coisas no mundo de aparências que nos rodeiam, mas tambem é um prazer que ajuda a expresar as coisas mais humanas que temos, impulsos, contradições.
Parte das obras foram criadas no ateliê da ECA e no ateliê aberto de gravura do Sesc Pompéia, mas principalmente foram criadas na cidade de São Paulo, em suas ruas, parques e demais lugares por onde andei. Os cadernos de viagem também foram feitos em praias do litoral Paulista, em outros estados do Brasil como Rio de Janeiro, Bahia, Minas Gerais, Paraná… uma experiência muito boa, viajar, conhecer e desfrutar trabalhando com a pintura.

Por Toni Costa Mengual

Veja mais: http://es-la.facebook.com/toni.mengual

Come with me Toni Costa Mengual

The exhibition Comes with me - watercolors and monotypies joins a small display of the works done during the period of school exchange in the Eca, School of Communications and Arts, of the USP. Toni is a student of the Faculty San Carlos, pertaining to the University Polytechnic of Valencia in Spain.
The title “Comes with me” it had a hurt double. On a side tell to him to the caught memories of the sceneries and models from which it comes the works, nearly always using the lively model, and since it does a camera, it takes like memory what happened before us and what finally arrives with us at home, our experience. It is almost an exercise book of travel, a glance that was attributing sense to the places and persons who were enclosing it. Another reading is an invitation that is done for the viewer, for that.
In her it is possible to look at works that belong to several lines or subjects that continued if developing, but that began from the new experiences received with the arrival of a foreigner to an unknown and place everything what drives it.
Before the done work, the watercolors, the monotipias, the drawings from coal or from color, the engravings, build images that are turned into objects, image and perception on some supports that they make us think on the places or the things that are in our turn. There is very important the way for which he calls himself, the painting has a glance and a touch, the time that stays in order that does to itself an image, special qualities which pickle there are many centuries.
Painting is the form of speaking, of finding new things in the world of appearances that surround us, but also it is a pleasure that helps the expresar the most human things what we have, impulses, contradictions.
Part of the works were created in the studio of the ECA and in the open studio of engraving of the Sesc Pompéia, but principally they were created in the city of São Paulo, in his streets, parks and too many places where I walked. The travel exercise books also were done in beaches of the coast of São Paulo, in other states of Brazil like Rio de Janeiro, Bahia, Minas Gerais, Paraná … a very good experience, to travel, to know and to enjoy working with the painting.

By Toni Costa Mengual

See more: http://es-la.facebook.com/toni.mengual

Femmes Du Monde | Titouan Lamazou

2009-07-15T14:58:00.000-07:00

Ao apreciar os retratos de mulheres de Titouan Lamazou, senti o quão complexo é o universo feminino nos dias atuais e o quão frágil está o nosso mundo.
Fiquei encantada com os belos retratos de mulheres, as quais, muito provavelmente, eu nunca teria a oportunidade de conversar; mulheres da Polinésia, Afeganistão, Índia, Indonésia, Nepal, EUA, Uganda, Brasil, Congo, Israel, Palestina, Colômbia, Sibéria, China, Turquia, Bulgária e Romênia.
Eu não conversei com elas, mas elas me disseram muitas coisas: dividiram comigo suas conquistas na defesa contra as mutilações genitais de mulheres mulçumanas; suas conquistas na defesa de crianças e classes menos favorecidas na Colômbia e Índia, através de trabalhos sociais e trabalhos jornalísticos investigativos. Dividiram também seus sonhos de conquistas materiais e como gostam de trabalhar e se sentirem úteis. Contaram-me sobre o amor, como estão descrentes desse sentimento, endurecidas por tanta luta e batalha. Descrentes dos homens, considerando-os assustados e com medo de enfrentar a realidade, se sentindo incapazes de assumir seu papel, perdendo suas referências masculinas e com muito medo da independência feminina.
Com toda a complexidade e conflitos essas mulheres têm orgulhos de serem mulheres e não perderam sua sensibilidade, espiritualidade e fé. Disseram para mim: "As pessoas muitas vezes acabam esquecendo que podem morrer a qualquer momento... Elas se dedicam ao material e esquecem o essencial." Recitaram mantras tibetanos: "Ohm mani padme hum... Ohm mani padme hum... Ohm mani padme hum..."
Mostraram sua coragem ao exporem seus rostos às mãos do artista Titouan Lamazou e exporem suas vidas ao responderem o questionário abaixo:

De onde você vem? Quem você é? Aonde você vai? Você gosta de ser mulher? Se você tivesse direito a apenas um desejo? Você pensa na própria morte? O que lhe dá medo? Você é supersticiosa? O que é o amor? O que você acha dos homens de hoje? Que qualidades você prefere em um homem? E em uma mulher? Você tem amigos do sexo masculino? Amigas? Você se acha bonita? O que a beleza representa para você? O que a família representa para você? O que lhe dá vontade de levantar-se de manhã? A que horas? O que é que você faz durante o dia? O que você vai fazer hoje à noite?

Convido você também a mostrar sua coragem: responda o questionário e aproveite para repensar seu papel enquanto “Mulher do Planeta”, “Femme Du Monde”.

Veja mais em: http://www.titouanlamazou.com/

Women of the Planet | Titouan Lamazou

While appreciating the women's portraits of Titouan Lamazou, I felt it how complex is the feminine universe in the current days and how fragile our world is.
I was amazed by the women's beautiful portraits, which, much probably, I would never have the opportunity for talking; women from Polynesia, Afghanistan, India, Indonesia, Nepal, USA, Uganda, Brazil, Congo, Israel, Palestine, Colombia, Siberia, China, Turkey, Bulgaria and Romania.
I did not talk with them, but they said to me many things: they divided with me their conquests in the defense against the genital mutilations of muslin’s women; their conquests in the children's defense and social classes least favored in Colombia and India, through social works and journalistic works. They divided also their dreams of material conquests and how they like working and being felt useful.

They told me about the love, how they are skeptical of this feeling, hardened by crazy struggle and it battles. Skeptics of the men, finding them frightened and with fear of facing the reality, feeling incompetent of assuming his paper, losing his masculine references and with much fear of the feminine independence.
With the whole complexity and conflicts these women have proud to be women and they did not lose their sensibility, spiritualty and faith. They said for me: "The person very often forgetting what can die at any moment... They devote themselves to the material things and forget the essential their souls." Recited prayers from Tibet: "Ohm mani padme hmm... Ohm mani padme hmm... Ohm mani padme hmm ..."
They showed their courage while exposing their faces to the hands of an artist Titouan Lamazou and exposing their lives while answering the questionnaire below:

Where are you from? Who are you? Where are you go? Do you like being a woman?If you had a right to only a wish? Do you think about your death? What are you fear?Are you superstitious? What is the love? What do you think about the today’s men?Which qualities do you prefer in a man? And in a woman? Do you have men friends? Do you have women friends? Do you think are you pretty? What the beauty represents for you? What the family represents for you? What makes you left your bed in the morning? What hours? What do you do during the day? What are you going to do tonight?

I invite you also to show it your courage: answer the questionnaire and to rethink your paper while “Woman of the Planet”, “Femme Du Monde”.

See more: http://www.titouanlamazou.com/

Homenagem à Pina Bausch

2009-07-08T13:17:00.001-07:00

Discussão sobre a contribuição da
grande coreógrafa alemã Pina Bausch
à comunidade artística.

Quando: 18 de julho de 2009 às 18h00
Onde: Ateliê Oço
Praça Carlos Gomes 115,
Bairro Liberdade, São Paulo, SP

Tribute to the Pina Bausch

Discussion on the contribution of
great German choreographer Pina Bausch
to the artistic community.

When: 18 of July of 2009 to 18h00
Where: Art Studio Oço
Rua Carlos Gomes 115,
Bairro Liberdade, São Paulo, SP

Espaço Nilo 132 | Exposição 1% da Arte

2009-07-01T08:56:00.000-07:00

Em maio de 2009 fui parar, na Rua Nilo 132 no bairro da Aclimação, era o encerramento da exposição “1% da Arte” do artista Jerry Batista, fiquei encantada pelos trabalhos pelo espaço e queria saber quem eram as pessoas que habitavam artisticamente o lugar. Conversei com três deles, Enivo, Jerry e Tchë que me contaram um pouco da história.

O espaço surgiu de um sonho de Enivo e Jerry Batista de possuírem um espaço agradável para produzirem sua arte assim como, venderem alguns trabalhos e disso conseguirem viver.

Os dois se conhecem desde criança, cresceram no mesmo bairro, Enivo sempre se deparava com uma bandeira da Jamaica com uma mão em primeiro plano escrita nos anéis a palavra “AFRO”, esse era o primeiro grupo que Jerry Batista integrou. Jerry foi o último a pegar no spray porque os outros tinham receio que estragasse a pintura. Na mesma época, também surgia no bairro o grupo “NIGGAZ”. Os grupos se juntaram e fizeram alguns grafites, promoveram o primeiro encontro de grafite do Grajaú, onde Enivo começou a pintar. Não demorou muito os grupos se desmembraram. AFRO deixou de existir quando Jerry passou a assinar com o próprio nome e a assinatura NIGGAZ foi assumida por Alexandre.

Passada uma década, Enivo e Jerry começam a viver do que sonharam no passado, ganhando maturidade, conhecendo pessoas que acreditam nos mesmos ideais, na arte construída com muito AMOR, na arte que permite a evolução pessoal, profissional e aumente de ritmo a cada dia.

Completamente inspirador, vale muito a pena conhecer um pouco mais do trabalho desse pessoal.

Enivo – enivo@hotmail.com
http://www.flickr.com/photos/enivo/

Jerry Batista – jerrypintura@yahoo.com.br
http://www.flickr.com/photos/jerrypintura/

Tchë - http://www.flickr.com/photos/mad_ruggi

Space Nilo 132 | Exhibition 1 % of the Art

In May of 2009 I went, in the Street Nilo 132 in the district of the Aclimação, it was the close of the exhibition “ 1 % of the Art ” of the artist Jerry Batista, I was bewitched by the works by the space and I wanted to know who there were the persons who were living artistically in the place. I talked with three of them, Enivo, Jerry and Tchë that told me a little of the history.

The space appeared of a dream of Enivo and Jerry Batista of they had a pleasant space to produce his art as well as, in order that they to sell some works and of that to manage to live.

The two know each other from child, they grew in the same district, Enivo was always coming across a flag of the Jamaica a hand in the foreground written in the rings the word “ AFRO “, this was the first group what Jerry Batista integrated. Jerry was the last thing to catch the spray because others were fearing what was wasting the painting. In the same time, also the group “ NIGGAZ “ was appearing in the district. The groups were gathered and made some graffits, promoted the first meeting from graffit of the Grajaú, where Enivo began to paint. It did not delay very much the groups they were dismembered. AFRO stopped existing when Jerry started to sign with the name itself and the signature NIGGAZ was assumed by Alexandre.

A decade was spent, Enivo and Jerry begin to live on what they dreamt in the past, gaining maturity, knowing persons who believe in the same ideals, in the art built with much LOVE, in the art that it allows the personal, professional evolution and increase of rhythm to each day.

Completely inspiring, it is worth very much knowing a little more of the art of this guys.

Enivo – enivo@hotmail.com
http://www.flickr.com/photos/enivo/

Jerry Batista – jerrypintura@yahoo.com.br
http://www.flickr.com/photos/jerrypintura/

Tchë - http://www.flickr.com/photos/mad_ruggi

Modelo Vivo | Treinando o Olhar

2009-05-07T10:56:00.001-07:00

Observar as linhas que formam o corpo humano, acompanhar com o olhar a composição feminina e masculina no todo, enxergar o que o corpo nu em sua frente transmite e transpor essa sensação para o papel em branco em 1 2 3 4 ou 5 minutos; minutos suficientes para treinar a rapidez do olhar, da percepção e agilidade manual; minutos insuficientes, para que o artista mergulhe de cabeça no tema, no corpo, na sensação, sendo necessárias mais e mais sessões com o modelo em questão.

Fotos de uma sessão de modelo vivo ministrada no ateliê OÇO sob orientação do artista plástico Claudinei Roberto. Próxima sessão de modelo vivo, dia 16 de maio de 2009.

Mais informações sessões de modelo vivo ateliê OÇO
Claudinei Roberto: 55 11 8952 6883

Lively Model Training the Glance

To observe the lines that form the human body, to accompany with the glance the feminine and masculine composition in all, to see what the naked body in his front transmits and to transpose this sensation for the blank paper in 1 2 3 4 or 5 minutes; sufficient minutes to train the speed of the glance, of the perception and manual agility; insufficient minutes, so that the artist plunges of head into the subject into the body into the sensation, when more and more sessions are necessary with the same model.

Photos of a session of lively model administered in the studio OÇO under direction of the plastic artist Claudinei Roberto. Near session of lively model, day 16 of May of 2009.

More informations sessions about model lively in the studio OÇO
Claudinei Roberto: 55 11 8952 6883

13 Artistas Anual III Ateliê OÇO | Galeria Cinesol

2009-01-25T06:36:00.001-08:00

Até 31 de janeiro, 13 artistas do Ateliê OÇO expões seus trabalhos na Anual III na Galeria Cinesol, os trabalhos produzidos com as mais variadas técnicas: pintura, desenho, fotografia, escultura, monotipia e colagem.

Alexandre Andrade expõe sentimentos e sensações cotidianas em esculturas. Anne Bitencourt Lima, Estela Santini e Patrícia Sayuri mostram as várias visões da fotografia, uma interpreta cena cotidiana como se fosse quadros de um filme, outra brinca com desenhos feitos com sombras e a última pinta com as luzes da cena fotografada. Leila Nazareth, Liege Fontes e Maria Neise, apresentam pinturas de casarios ainda existentes no cenário urbano de São Paulo. Irene Nedavaska continua sua séria de monotipias com formas naturais. Formas são apresentadas nos guaches de Elita Lumy e encáusticas de Andréia Lucena. Frederico Heer e Guilherme Boso apresentam desenhos com grafite, giz pastel e nanquim. Tati Andimena continua no universo feminino com pinturas de sandálias e entra em seu universo passado com colagens baseadas em seus álbuns de infância.

No post abaixo veja detalhes de alguns trabalhos expostos na Anual III.

Galeria Cinesol - Sebo Arquipélago: 55 11 3106 4011

13 Artists Annual III Art Studio OÇO Cinesol Gallery

Until January 31, 13 Artists from Art Studio OÇO shows your art works in the Cinesol Gallery, works produced with the most varied techniques: painting, drawing, photography, sculpture, monotype and collage.

Alexandre Andrade expose his feelings and daily sensations in sculptures. Anne Bitencourt Lima, Estela Santini and Patrícia Sayuri expose some visions of the photograph, one interprets daily scene as if it was pictures of a film, another one plays with drawings made with shades and the last one paint with the lights of the photograph scene. Leila Nazareth, Liege Fontes and Maria Neise, present paintings of still existing hovels in the São Paulo urban scene. Irene Nedavaska continues with her monotype series with natural forms. Forms are presented in the Elita Lumy and Andréia Lucena works. Frederico Heer and Guilherme Boso present drawings with graphite, crayon and nankin. Tati Andimena continues in the feminine universe with sandals paintings and enters in her past with collage based on in her childhood albums.

In post below details of some art works displayed in Annual III.

Cinesol Gallery - Secondhand Bookshop Arquipélago: 55 11 3106 4011

Trabalhos 13 Artistas | 13 Artists Works

2009-01-25T06:20:00.000-08:00

Frans Krajcberg: Natura

2008-11-17T04:59:00.000-08:00

VISTA DO ALTO, A TERRA PARECE UMA PEQUENA BOLA, TODA FRÁGIL, DOMINADA NÃO PELAS ATIVIDADES E CONSTRUÇÕES DO HOMEM, MAS POR NUVENS, OCEANOS, VEGETAÇÃO, SOLO. A PARTIR DO ESPAÇO, PODEMOS NOS INCLINAR SOBRE A TERRA E ESTUDÁ-LA COMO UM ORGANISMO VIVO, CUJA SAÚDE DEPENDE DE TODOS OS SEUS ELEMENTOS. A DISTÂNCIA, POR PARADOXAL QUE PAREÇA, NOS APROXIMA DA REALIDADE GLOBAL.

O BRASIL, CUJA MAIOR RIQUESA É A NATUREZA, ESTÁ PRÓXIMO DE SE TORNAR UM PAÍS DE CAATINGA E CERRADOS, COM EXCEÇÃO DE ALGUNS PARQUES E MONUMENTOS ECOLÓGICOS. ESTAMOS PRÓXIMOS DO COMPLETO ESGOTAMENTO DOS NOSSOS RECURSOS NATURAIS. PRECISAMOS URGENTEMENTE DISTINGUIR O USO DO ABUSO, A EXPLORAÇÃO DA ESPOLIAÇÃO, A CONSERVAÇÃO DA DEVASTAÇÃO. SÓ ASSIM OS RECURSOS NATURAIS PODERÃO CONTINUAR SENDO USADOS PELO HOMEM.

EXISTE HOJE UMA CONSCIÊNCIA MUNDIAL EM FAVOR DO MEIO AMBIENTE. GRAÇAS A ELA, REFORÇA-SE A IDÉIA DE QUE A SOBREVIVÊNCIA DA HUMANIDADE DEPENDE DIRETAMENTE DA SOBREVIVÊNCIA DO PLANETA. ESSA DEPENDÊNCIA NÃO É SÓ DE ORDEM FÍSICA. ELA É TAMBÉM UMA FONTE DE INSPIRAÇÃO ESPIRITUAL, QUE NOS PERMITE ANTEVER UM TEMPO INFINITO E DAR MAIS SENTIDO À VIDA.

FRANS KRAJCBERG

Exposição Frans Krajcberg: Natura
de 16 de outubro a 14 de dezembro de 2008
Oca - Parque do Ibirapuera - Portão 3
Aberto de terça a domingo e feriados
Entrada Franca - http://www.mam.org.br/

SEEN FROM ABOVE, THE EARTH LOOKS LIKE A SMALL BALL, TOTALLY FRAGILE, DOMINATED NOT BY MAN'S ACTIVITIES AND BUILDINGS BUT BY CLOUDS, SEAS, VEGETATION, SOIL. FROM SPACE, WE CAN BEND OVER EARTH AND STUDY IT AS A LIVING ORGANISM WHOSE HEALTH IS DEPENDANT OF THE TOTALY OF ITS ELEMENTS. FROM AFAR, AS PARADOXAL AS IT MAY SEEM, WE GET CLOSER TO GLOBAL REALITY.

BRAZIL, WHOSE GREATEST WEALTH IS ITS NATURE, IS CLOSE TO BECOMING A COUNTRY OF CAATINGA [ARID LANDSCAPE WITH THORNY TREES] AND CERRADO [SAVANNA-LIKE LANDSCAPE], WITH THE EXCEPTION OF A FEW PARKS AND ECOLOGICAL MONUMENTS. WE ARE CLOSE TO TOTAL DEPLETION OF OUR NATURAL RESOURCES, WE URGENTLY NEED TO DISTINGUISH USE FROM ABUSE, EXPLOIT FROM DESPOIL, CONSERVATION FROM DEVASTATION. THIS IS THE ONLY WAY WE WILL BE ABLE TO CONTINUE TO USE NATURAL RESOURCES.

TODAY A GLOBAL CONSCIOUSNESS IN FAVOR OF THE ENVIRONMENT EXISTS. THANKS TO IT, THE IDEA THAT THE SURVIVAL OF THE HUMAN RACE DEPENDS DIRECTLY ON THE SURVIVAL OS THE PLANET IS REINFORCED. THIS INTERDEPENDENCE IS NOT ONLY PHYSICAL. IT IS ALSO A SOURCE OF SPIRITUAL INSPIRATION THAT ALLOWS US TO ANTICIPATE AN UNENDING ERA AND GIVE FURTHER SENSE TO LIFE.

FRANS KRAJCBERG

Exhibition Frans Krajcberg: Natura
the 16 october from 14 dezember 2008
Oca - Parque do Ibirapuera - Gate 3
Open Tuesday to Sunday and holidays
Entry Free - www.mam.org.br

Sombaguá em inauguração do novo espaço do ateliê OÇO

2008-11-03T06:38:00.000-08:00

No último sábado, 01 de novembro, a banda Sombaguá deu um show na inauguração do novo espaço do ateliê OÇO. O grupo é composto por Gui (vocal), Manso (baixo) e Felipe (bateria), seguem a tradição antropofágica, som autoral com tudo quanto é barulho e letras que vão da crônica cotidiana aos amores urbanos.

Valeu sombaguenses!!!

Vídeo acima música Bonita, Sombaguá no ateliê OÇO.

Sombaguá My Space - http://br.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=234414433

Sombaguá in inauguration of the new space of art studio OÇO

In the last Saturday, 01 of november, the Sombaguá band gave a show in the inauguration of the new space of art studio OÇO. The group is composed for Gui (vocal), Manso (contrabass) and Felipe (battery), follows the anthropophagy tradition, authorial sound with everything kind of noise and lyrics that go of the daily chronicle to the urban loves.

Thanks sombaguenses!

Video above Bonita's song, Sombaguá in art studio OÇO.

Sombaguá My Space - http://br.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=234414433

Exposição | Nova Luz Velha Treva

2008-11-02T13:34:00.001-08:00

A exposição Nova Luz Velha Treva do artista plástico e orientador do ateliê OÇO, Claudinei Roberto, estará aberta a visitação de 01 de novembro de 2008 a 12 de novembro de 2008, na Galeria Cinesol localizada na Praça Carlos Gomes, 117, próximo ao Metrô Liberdade. Segunda a sexta das 10h00 às 18h00, sábado das 10h00 às 14h00. Entrada Gratuita.

Galeria Cinesol Sebo Arquipélago: 55 11 3106 4011

Claudinei Roberto: claudineiroberto@ig.com.br

Art Exhibition New Light Old Darkness

The art exhibition New Light Old Darkness of the artist plastic and leader of art studio OÇO, Claudinei Roberto, will be opened to the visitation of 01 of november of 2008 until 12 of november of 2008, in the Cinesol Gallery located in the Praça Carlos Gomes, 117 next Liberdade Subway, São Paulo, SP, Brazil. Monday until friday – 10h00 to 18h00, saturday of 10h00 to 14h00. Entry Free.

Cinesol Gallery - Secondhand Bookshop Arquipélago: 55 11 3106 4011
Claudinei Roberto: claudineiroberto@ig.com.br

Como São Paulo te influencia?

2008-10-22T09:31:00.001-07:00

Quando fiz os desenhos acima pensei na relação entre as grandes metrópoles e as pessoas que vivem nelas. Depois de expor esse trabalho na Anual II do ateliê OÇO em novembro de 2006 comecei a perguntar para pessoas conhecidas, “Qual a influência que a cidade tem sobre você?”.

Todas as pessoas foram unânimes, pergunta difícil essa, mas pararam para pensar e obtive os mais diversos comentários.

Cidade que não pára, mostra como temos de ser rápidos em nossas decisões e eu quero um pouco de sossego, mostra a quantidade de opções que podemos ter se prestarmos atenção, mas o tempo perdido pensando no que fazer....
Cidade de antagonismos, com sua liberdade de infinitas possibilidades contra a prisão do trânsito na hora do rush, indiferença da massa entre um sorriso simpático de um desconhecido.
Cidade multiétnica, acolhe e coloca a prova as escolhas daqueles vindos de longe, intimida e constrange.
Cidade de sinais saturados faz parecer que nenhum nem ninguém será especialmente notado.

O fato é que a cidade é feita e composta por pessoas e você já parou para pensar como influencia São Paulo?

Imagens do trabalho "Sem título - nanquim sob parede" de Tati Andimena exposto em novembro de 2006 na Anual II do ateliê OÇO.

Tati Andimena - tati.andimena@yahoo.com.br

How São Paulo influence your life?

When I made the drawings above I thought about the relation between the metropolises and the people who live in them. After displaying this work in Annual II of art studio OÇO in november of 2006, I started to ask for people who I know, “How the influence that the city has on you”.

All the people had been unanimous that it asks difficult this, but had stopped to think and got the most diverse commentaries.

City that doesn’t stop, shows as we have to be fast in our decisions and I want a little of calmness, shows the amount of options that we can have to be useful attention, but the time that we lose thinking about what to do…
City of antagonisms, with its freedom of infinite possibilities against the arrest of the traffic jam in the hour of rush, the mass indifference enters a stranger likeable smile.
Multiethnic city, receives and places the test the choices of that had come of far, intimidates and constrain.
City of saturated signals makes to seem that none nor nobody especially will be noticed.

The fact is that the city is made and composed for people and you already stopped to think as – How are you influence São Paulo?

Images of the work “Without name – indian ink under wall” of Tati Andimena, displayed in november of 2006 in Annual II of art studio OÇO.

Tati Andimena - tati.andimena@yahoo.com.br

Intensidade e Expressão | Flávio Shiró pintor de três mundos 65 anos de trajetória

2008-10-04T14:20:00.000-07:00

Retrospectiva de Flávio-Shiró, um dos principais pintores brasileiros do século XX e paradigma da validade do mundo contemporâneo.

Flávio Shiró inaugura no Brasil a pintura de grandes telas vencidas por gestos largos, opostos à técnica do desenho em quadrícula ou da pintura por pequenos gestos. Se fixa na carga material da pintura. Década de 60 trabalha a corporaidade do branco, limite entre figural e uniforme com características da estridência cromática, alusões sutis e poética do real, noção de estrutura e visceralidade (figura acima Anatomia da Guerra - 1965 - óleo sobre tela 120x190cm).
Duas décadas seguintes, a pintura se libera para ser campo de fantasmática em cenas imaginárias com densidade psíquica. Os seres que habitam o quadro apresentam uma anatomia primitiva que parece emergir de um espaço desconhecido, o inconsciente.
De 1990 a 1988, a pintura adota gestos, formas e movimentos potencializam suas relações com o maneirismo e o barroco.
Flávio Shiró é um artista polivalente fez cenografia, colagem e inventou técnicas de de gravura (ceragrafia) também recorreu aos meios tradicionais (xilogravura, metal e litografia).

Trechos extraídos de texto do curador Paulo Herkenhoff

Instituto Tomie Ohthake - Exposição Flávio-Shiró pintor de três mundos - 65 anos de trajetória - mais informações: http://www.institutotomieohtake.org.br/programacao/exposicoes/shiro/shiro.html

Intensity and Expression Flávio Shiró painter of three worlds 65 years of history

Retrospect of Flávio-Shiró, one of the main Brazilian painters of century XX and paradigm of the validity of the world contemporary.

Flávio Shiró inaugurates in Brazil the biggest painting, opposing gestures to the technique of the drawing in grid or the painting for small gestures. If it fixes in the material load of the painting. Decade of 60 works the subtle corporaidade of the white, limit between figural and uniform with characteristics of the chromatic, hint at and poetical of the real, notion of structure and intimate (figure above Anatomy the War - 1965 - oil on screen 120x190cm). Two decades following, the painting if liberates to be field of visions in imaginary scenes with psychic density. The beings that inhabit the picture present a primitive anatomy that seems to emerge of an unknown space, the unconscious one. Of 1990 the 1988, the painting adopts gestures, forms and movements potentize its relations with the mannerism and the baroque one. Flávio Shiró is a multipurpose artist made scenography, glue and invented techniques of of engraving also appealed to the traditional ways (xylograph, metal and lithography).

Extracted parts of text of the curator Pablo Herkenhoff.

Instituto Tomie Ohthake - Exhibition Flávio-Shiró painter of three worlds - 65 years of history - more information: http://www.institutotomieohtake.org.br/programacao/exposicoes/shiro/shiro.html

Índices de um Templo | Índices de um Tempo

2008-10-01T09:54:00.000-07:00

Em plena quinta-feira me deparo com a grandeza de um templo, plenitude, tranqüilidade e quietude.
"Que a generosidade, a compaixão, a alegria e a equanimidade permeiem todo o Universo; Que todos os seres sencientes valorizem os méritos, criem vínculos e beneficiem o Céu e a Terra. Pratiquemos o Ch'an e o Terra Pura, sigamos os preceitos, aceitemos tudo comeqüidade e tolerância; Façamos os Grandes Votos com espírito de arrependimento e gratidão"
A poucos quilômetros de todo o trânsito, buzinas, ira e intolerância.
Alguns minutos naquele lugar foram suficientes para me afastar dos índices do caos e adentrar nos índices de um templo.
"Tenha força e sabedoria para resistir às tentações do mundo. Aprenda a se adaptar à pressão externa e não se deixe afetar por ela." (palavra do dharma - venerável mestre Hsing Yün)
Alguns minutos naquele lugar foram suficientes para aquietar a mente, a alma, o coração e agradecer por toda a visão de um outro lugar, uma outra cultura, um outro tempo.

Templo Zu Lai - mais informações: http://www.templozulai.org.br/

Index of one Temple Index of one Time

In full thursday I come across myself with the largeness of a temple, fullness, tranquillity and calm.
"That the generosity, the compassion, the joy and the calmness enter into the Universe all; That all value the honorary, they create bonds and they benefit to the Sky and the Land. Let us practice the Ch' an and the Pure Land, let us follow the rules, let us accept all tolerance; Let us make the Great Votes with repentance spirit and thankful"
To few kilometers of all the traffic jam, horns, anger and intransigence. Some minutes in that place had been enough to move away to me from the indices of the chaos and to get insides in the index of a temple.
"It has force and wisdom to resist the temptations of the world. It learns if to adapt to the external pressure and if does not leave to affect for it." (word of dharma - venerable master Hsing Yün)
Some minutes in that place had been enough to rest the mind, the soul, the heart and to be thankful for all the vision of one another place, one another culture, one another time.

Templo Zu Lai – more information: http://www.templozulai.org.br/